Críticas de los estrenos de cine del 9 de octubre de 2015

Jack Dwyer (Owen Wilson) es un ejecutivo estadounidense que se traslada a un país del Sudeste Asiático para trabajar allí en una planta depuradora que va a construir su empresa. Le acompañan su esposa Annie (Lake Bell) y sus dos hijas todavía pequeñas (Sterling Jerins y Claire Geare). A la mañana siguiente de llegar, se ven atrapados en un violentísimo golpe de estado, detonado precisamente por la depuradora. Así que Jack y su familia intentan huir desesperadamente por un infierno donde ser extranjero equivale a una sentencia de muerte, y en el que los brutales rebeldes han puesto precio a sus cabezas. Su única esperanza es encontrar a un misterioso turista (Pierce Brosnan) y a un amigo suyo (Jim Lau), que les llevaron a su hotel desde el aeropuerto.

Su ritmo trepidante, su angustioso hiperrealismo visual —a veces, algo sanguinolento— y la veracidad de sus interpretaciones son las principales bazas de esta película del estadounidense John Erick Dowdle (‘Quarantine’, ‘La trampa del mal’, ‘Así en la Tierra como en el infierno’), que él mismo ha escrito con su hermano menor Drew Dowdle. Esa impactante solidez formal adquiere entidad de fondo gracias a una certera crítica a la deshumanización de la guerra y al imperialismo comercial de los países desarrollados, paralela a un elogio de la unidad familiar y de la heroicidad en momentos críticos. Queda así una notable película de género, que recuerda para bien a filmes como ‘El año que vivimos peligrosamente’ (1982), ‘Los gritos del silencio’ (1984), ‘Más allá de Rangún’ (1995) o ‘’71’ (2014). J. J. M.

Londres, en plena Segunda Guerra Mundial. Peter (Levi Miller) es un inteligente y rebelde chaval de doce años, que malvive en un orfanato regido por unas severas monjas católicas. Una noche descubre los turbios negocios de la brutal madre superiora y una bella carta de su madre, que la monja siempre le ha ocultado. Y, sobre la marcha, es secuestrado con otros niños por unos piratas desde un enorme barco volador. Tras sortear las defensas aéreas británicas, el barco arriba al alucinante País de Nunca Jamás, regido también con mano de hierro por el fiero pirata Barbanegra (Hugh Jackman). Enseguida, Peter se rebela contra el tirano con la ayuda de sus compañeros de orfanato, de un joven aventurero llamado Garfio (Garrett Hedlund) y de la salvaje Tigrilla (Rooney Mara).

Este libérrimo acercamiento fílmico a la inmortal novela juvenil que Sir James M. Barrie escribió en 1902 se ve lastrado por su sórdido arranque anticatólico y por ciertas libertades respecto al original no siempre bien resueltas. Sin embargo, si dejamos a un lado tales defectos, este sexto largometraje del londinense Joe Wright (‘Orgullo y prejuicio’, ‘Anna Karenina’, ‘Expiación. Más allá de la pasión’, ‘El solista’, ‘Hanna’) ofrece una entretenida aventura fantástica, fiel al espíritu de la obra de Barrie, y de toda la tradición literaria fantástica británica de los últimos dos siglos. Además, está rodada e interpretada con fuerza, oxigenada con certeros golpes de humor y plagada de imaginativos efectos visuales estereoscópicos, algunos muy espectaculares. Elogio especial merece la preciosa banda sonora del también londinense John Powell, que confirma su excelencia tras sus trabajos para la sagas de animación ‘Cómo entrenar a tu dragón’, ‘Shrek’, ‘Ice Age’, ‘Happy Feet’, ‘Kung Fu Panda’ y ‘Río’, y para las tres primeras entregas de las aventuras de Jason Bourne.

En todo caso, sobre todo por los defectos señalados, este filme se queda por debajo de la espléndida version que produjo Walt Disney en 1953, y como mucho iguala el nivel de otras versiones modernas del relato de Barrie, como ‘Hook’ (1991), ‘Peter Pan: La gran aventura’ (2003) o ‘Descubriendo Nunca Jamás’ (2004). J. J. M.

EL CORO (Boychoir) *** (7)

FICHA TÉCNICADirector: François Girard. Intérpretes: Garrett Wareing, Dustin Hoffman, Kathy Bates, Eddie Izzard, Kevin McHale, Josh Lucas, Debra Winger. Guion: Ben Ripley. Drama. 106 min. Jóvenes.

Tras dirigir óperas, cortos y diversos espectáculos del Cirque du Soleil, el canadiense François Girard probó suerte en el cine con las ambiciosas y un tanto ampulosas películas ‘Cargo’, ‘El violín rojo’ y ‘Seda’, siempre a partir de guiones propios. Ahora dirige por fin un guion ajeno en ‘El coro’, un intenso drama de maduración, quizás imitativo, convencional y previsible, pero sólido y emotivo.

Stet (Garrett Wareing) es un chaval texano que ha pasado una infancia terrible soportando y cuidando a su madre, soltera y alcohólica. Cuando ella muere, el apático y violento Stet, ya de doce años, es enviado al internado musical del The American Boychoir, gracias al decidido apoyo de su mejor profesora, la Srta. Steel (Debra Winger), que ha presionado al rico padre del chaval, Gerard (Josh Lucas), ahora csado y con dos hijas. A pesar de sus extraordinarias dotes como cantante, el rebelde Stet lo tendrá difícil para ser aceptado en el prestigioso grupo coral, considerado el mejor de Estados Unidos y dirigido con mano férrea por el Maestro Carvelle (Dustin Hoffman).

Cualquier buen aficionado encontrará numerosos puntos en común entre el equilibrado guion de Ben Ripley (‘Código fuente’) y la espléndida película ‘Los chicos del coro’, del francés Christophe Barratier. Y seguramente a algunos les resulten blandas y hasta sensibleras algunas secuencias del filme. Pero el guion suaviza esos posibles defectos con numerosos diálogos brillantes y con el certero despliegue de variados conflictos dramáticos, muy bien encarnados por el notable reparto, encabezado por Dustin Hoffman con su habitual solvencia. Por su parte, Girard pone su sugestiva puesta en escena al servicio de la historia y de la maravillosa banda sonora que la ilustra, compuesta por la bella música original de Brian Byrne, espléndidos temas corales antiguos y modernos —ese impresionante ‘Spem in Alium’, del inglés Thomas Thallis— y la maravillosa canción ‘The Mystery of Your Gift’, interpretada por el famoso cantautor estadounidense Josh Groban con el propio Brian Byrne y The American Boychoir.

Quizás ‘El coro’ no alcance el nivel fílmico y emocional de ‘Los chicos del coro’, pero es una película estupenda, que reivindica sin complejos la educación de calidad, el trabajo bien hecho, la integridad moral, el valor de la familia y la capacidad de superación del ser humano. Hasta rinde un homenaje explícito a ‘¡Qué bello es vivir!’, la inmortal obra maestra de Frank Capra. Quién da más. J. J. M.

YO, ÉL Y RAQUEL (Me and Earl and the Dying Girl) *** (6,5)

Tras foguearse en la televisión y como ayudante de cineastas de la talla de Martin Scorsese o Alejandro González Iñárritu, el texano Alfonso Gomez-Rejon debutó en el cine en 2014 con el decepcionante filme de terror ‘Espera hasta que se haga de noche’. Ahora sube enteros con ‘Yo, él y Raquel’, tragicómica producción ‘indie’, galardonada en el Festival de Sundance 2015 con el Premio a la mejor película y el Premio del Público. En ella, Gomez-Rejon traduce en imágenes la novela homónima de Jesse Andrews, convertida en guion por él mismo con un planteamiento bastante positivo, similar, aunque menos profundo, al de películas como ‘Cartas a Dios’, ‘Vivir para siempre’ o ‘Maktub’.

Greg (Thomas Mann) ha pasado el instituto de la forma más anónima posible, evitando las interacciones sociales, y filmando extrañas versiones de películas famosas con el afroamericano Earl (RJ Cyler), su único amigo de verdad. Pero su estrategia se derrumba durante su último año escolar, cuando su madre (Connie Britton) anima a Greg a interesarse por Raquel (Olivia Cooke), una chica de su clase a la que acaban de diagnosticar una grave leucemia.

Desde luego, se echa en falta alguna referencia más trascendente respecto al sufrimiento y la muerte. Y sobran algunos golpes de humor toscos y varias reflexiones en off demasiado pedantes. Pero el conjunto tiene encanto y goza de un fluido ritmo narrativo, unas buenas interpretaciones y una sugerente factura visual realista, aunque con originales insertos fantástico-oníricos. Además, no se banalizan las dramáticas situaciones descritas, se critican con buen humor las singulares excentricidades intelectualoides de los padres de Greg y se exalta la amistad y la solidaridad. Todo ello, al ritmo de la minimalista partitura original de Brian Eno y Nico Muhly, y de una espléndida selección de canciones de todas las épocas, entre las que destaca la animante ‘Everybody’s Talking’, de Harry Nilsson. J. J. M.

LIFE FEELS GOOD (Chce si? ?y?) *** (6,5)

FICHA TÉCNICA

Director y guionista: Maciej Pieprzyca. Intérpretes: Dawid Ogrodnik, Kamil Tkacz, Dorota Kolak, Arkadiusz Jakubik, Katarzyna Zawadzka, Anna Nehrebecka. Drama. 100 min.

Mateusz (Kamil Tkacz / Dawid Ogrodnik) sufre parálisis cerebral desde que nació. Tiene 30 años y, dentro de sus graves limitaciones, lleva una vida normal en una institución mental. Con motivo de una evaluación para determinar su nivel de discapacidad y su posible inserción social, Mateusz rememora su durísima existencia, marcada por su incapacidad para andar y comunicarse, su secreto aprendizaje vital, su fascinación por las mujeres, y la crueldad de su hermana y el desinterés de su hermano, compensados, eso sí, por el incansable cariño y dedicación de sus padres, dos personas sencillas y encantadoras, que siempre se volcaron con él y le trataron como un hijo más.

Premiada en los Festivales de Montreal y Gijón, esta película del polaco Maciej Pieprzyca (‘Drzazgi’) da continuidad a muchos de los temas que abordó ‘Mi pie izquierdo’ (1989), de Jim Sheridan. Y, como aquel filme, ofrece unas interpretaciones y una puesta en escena memorables, al servicio de una conmovedora historia de superación, inspirada también en hechos reales. Sólo desentonan una excesiva insistencia en las obsesiones sexuales del protagonista y una cierta mirada superficial al catolicismo polaco. En cualquier caso, es una película valiosa, que confirma la buena forma del cine polaco y ofrece interesantes elementos de reflexión, no exentos de sentido crítico, sobre la atención a enfermos cerebrales, el valor del cariño familiar y la fuerza del amor. Todo ello, expuesto con duro hiperrealismo, pero sin demasiados excesos morbosos ni lacrimógenos, más bien con un optimismo incombustible y un singular sentido del humor, muy oxigenante. J. J. M.

TAXI TEHERÁN (Taxi) **** (8)

FICHA TÉCNICA

Director y guionista: Jafar Panahi. Intérpretes: No acreditados. Tragicomedia. 82 min. Jóvenes.

Un taxi recorre las vibrantes y coloridas calles de Teherán. Pasajeros muy diversos entran en el taxi y expresan abiertamente su opinión sobre multitud de temas, mientras son entrevistados sutilmente por el conductor, que no es otro que el director del filme, Jafar Panahi. Durante este viaje, sus tres cámaras, colocadas en el salpicadero del vehículo, capturan el espíritu inconformista y crítico de una buena parte de la sociedad iraní.

Rezuma humanidad, veracidad y talento este nuevo y singular ejercicio de estilo del premiadísimo cineasta iraní Jafar Panahi (‘El globo blanco’, ‘El espejo’, ‘El círculo’, ‘Esto no es una película’, ‘Closed Curtain’), con el que vuelve a desafiar el arresto domiciliario y la inhabilitación para hacer cine a los que le condenó la justicia iraní entre 2010 y 2011. Un reto que le ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2015 y que despertará la simpatía de tantos buenos aficionados al cine, fascinados con su capacidad para contar casi sin medios historias entretenidas y profundas, divertidas y conmovedoras, amables y reivindicativas a la vez. Siempre, con un sorprendente dominio del lenguaje fílmico y la dirección de actores y no actores, con gran respeto a la sincera religiosidad de sus personajes y con una contagiosa cinefilia, que aquí le lleva a afirmar que “toda película es valiosa” y a dar su opinión sobre filmes clásicos y modernos, muchos de ellos prohibidos en Irán. Una genialidad, en fin, que regala uno de los desenlaces más antológicos de las últimas décadas. J. J. M.

LA PLAYA DE LOS AHOGADOS *** (6)

FICHA TÉCNICA

Director: Gerardo Herrero. Intérpretes: Carmelo Gómez, Antonio Garrido, Tamar Novas, Celso Bugallo, Celia Freijeiro, Marta Larralde, Luis Zahera, Carlos Blanco), Pedro Alonso, Fernando Morán. Guion: Domingo Villar y Felipe Vega, basado en la novela de Domingo Villar. Thriller. 96 min. Jóvenes-adultos. 

El cadáver de un marinero es arrastrado por la marea hasta una playa de la parroquia gallega de Panxón. Si no tuviese las manos atadas, Justo Castelo sería otro de los hijos del mar que encontró su tumba entre las aguas mientras faenaba. Pero el océano nunca ha necesitado amarras para matar. Sin testigos ni rastro de le embarcación del fallecido, el solitario y riguroso inspector de policía Leo Caldas (Carmelo Gómez) y su temperamental ayudante aragonés Rafael Estévez (Antonio Garrido) se sumergirán en la sinuosa atmósfera marinera del pueblo, tratando de esclarecer el crimen entre hombres y mujeres que se resisten a desvelar sus sospechas y que, cuando se decidan a hablar, apuntan en una dirección inesperada.

En esta correcta adaptación de la popular novela del vigués Domingo Villar —publicada en 2009—, el madrileño Gerardo Herrero (‘El corredor nocturno’, ‘Silencio en la nieve’, ‘Crimen con vistas al mar’) insiste en el thriller y muestra una vez más su buen ojo como productor y sus limitaciones como director. Por un lado, se agradece el tono elegante de la película, que nunca carga la mano en los pasajes más sórdidos de la trama, subraya los perfiles más humanos de los personajes y sostiene hábilmente las diversas intrigas en torno a cada uno de ellos. En este sentido, el fluido guion de Felipe Vega y el propio Domingo Villar facilita el buen hacer del ajustado reparto y logra mantener el interés del espectador de principio a fin.

Sin embargo, la lánguida puesta en escena de Gerardo Herrero nunca alcanza la potencia visual y dramática que exigía la historia, de modo que no acaba de emocionar plenamente al espectador, ni de introducirle en el inquietante ambiente gallego descrito con maestría en la novela de Villar. Esto impide que ‘La playa de los ahogados’ sea la gran película de género que podría haber sido, y que se quede lejos de ‘La isla mínima’ o ‘El Niño’, sus puntos de referencia más recientes. J. J. M.

SEGUNDO ORIGEN (Segon origen) ** (5,5)

FICHA TÉCNICA

Director: Carles Porta. Intérpretes: Rachel Hurd-Wood, Andrés Batista, Ibrahim Mané, Sergi López. Guion: Marcel Barrena, Carmen Chaves, Bigas Luna, Carles Porta y David Victori, basado en la novela de Manuel de Pedrolo. Ciencia-ficción. 102 min. Jóvenes-adultos.

Publicada en 1974, la novela ‘Mecanoscrito del segundo origen’, de Manuel de Pedrolo, ha vendido más de dos millones trescientos mil ejemplares, convirtiéndose así en la más emblemática obra catalana de ciencia-ficción. Se estrena ahora su ambiciosa versión fílmica, preparada durante años por el cineasta barcelonés Bigas Luna (‘Jamón, jamón’, ‘Huevos de oro’, ‘La camarera del Titanic’, ‘Yo soy la Juani’) —fallecido el 6 de abril de 2013— y finalmente dirigida y coescrita por el periodista, escritor y productor catalán Carles Porta (‘Toro y torero’), que así debuta en el cine de ficción.

A consecuencia de unas explosiones solares, en cuestión de un minuto se desvanece toda la humanidad, salvo Alba (Rachel Hurd-Wood), de veinte años, y Dídac, de diez (Andrés Batista), que en ese momento buceaban en una laguna cercana a Lleida. Mientras buscan sin éxito a otros supervivientes, aprenden a sobrevivir con lo que la catástrofe les ha dejado, y se preparan para preservar la cultura humana, lo cual implica procrear. El momento elegido es durante un viaje que realizan a la devastada Barcelona, ya con Vivac (Ibrahim Mané) convertido en todo un hombre.

La película se deja ver, pues goza de una buena factura, un ritmo sostenido, sobrios pero espectaculares efectos visuales, unas interpretaciones suficientemente creíbles y una inquietante aunque algo invasiva banda sonora del inglés David Julyan (‘Memento’, ‘Insomnio’, ‘El truco final (El prestigio)’, ‘Hidden’). Además, Porta no carga demasiado la mano en las escenas sexuales, lo que seguramente sí habría hecho Bigas Luna. Sin embargo, el filme se desequilibra bastante con la aparición del personaje interpretado por Sergi López, pues la trama deriva hacia el terreno del thriller violento y convencional, no muy bien rodado y con una forzada legitimación del incesto. J. J. M.

EL CLUB ** (4)

FICHA TÉCNICA

Director: Pablo Larraín. Intérpretes: Roberto Farias, Antonia Zegers, Alfredo Castro, Alejandro, Alejandro Sieveking, Jaime Vadell, Marcelo Alonso. Guion: Guillermo Calderón y Daniel Villalobos. Drama. 98 min. Adultos.

En una apartada casa de retiro de un perdido pueblo costero de Chile viven cuatro sacerdotes mayores, cuidados y vigilados por una siniestra monja más joven. Allí les han confinado sus respectivos obispos para que recen y hagan penitencia por sus graves pecados pasados: abuso de menores, colaboración con adopciones ilegales, complicidades con la sangrienta represión durante la dictadura militar… La aparente tranquilidad de este grupo singular se rompe trágicamente con la incorporación de un nuevo sacerdote, con el acoso al que les somete una de sus víctimas y con la llegada un joven cura visitador, que debe comprobar si están realmente arrepentidos.

En este su cuarto largometraje —Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín 2015—, el cineasta chileno Pablo Larraín abandona la atractiva ponderación de su anterior película, la notable ‘No’, y retorna a las tenebrosas oscuridades de ‘Tony Manero’ y ‘Post mortem’, esta vez con la Iglesia católica como objetivo de sus morteros. Como siempre, Larraín demuestra una rigurosa dirección de actores y una vigorosa personalidad visual, bien asentada en la expresionista fotografía de Sergio Armstrong. Pero es tan sórdido el tono del guion de Guillermo Calderón y Daniel Villalobos, y tan truculentas sus tramas y subtramas, que pierde en veracidad y gana en desmesura su alegato, tan furibundo que no encuentra en el catolicismo ningún atisbo de humanidad. Una visión demasiado parcial y deformada como para que los títeres de su guiñol se conviertan en auténticos personajes de carne y hueso. J. J. M.

MUROS

FICHA TÉCNICA

Directores: Pablo Iraburu y Migueltxo Molina. Intervienen: Caren Hernández, Ghariba El Bokhari, Al Enciso, Jaime Mimún, Meza Weza, Izak Johannes Meyer Nel, Iván García Lázaro. Guion: Pablo Iraburu. Documental. 80 min.

El mundo está cada vez más dividido por muros. Hay seres humanos a un lado y al otro. No hay que discutir si su existencia es absurda o lógica, si es inevitable o no, sino mostrar que las personas que están a cada lado son, en lo esencial, iguales. Esta es la sinopsis más o menos oficial de este comprometido documental de los vascos Pablo Iraburu y Migueltxo Molina, que ya codirigieron ‘Nömadak Tx.’ (2006) y ‘Pura vida. The Ridge’ (2012).

BARÇA DREAMS

FICHA TÉCNICA

Director y guionista: Jordi Llompart. Intervienen: Leo Messi, Andrés Iniesta, Xavi Hernández, Gerard Piqué, Carles Santacana, Emma Gamper, Jaume Descals,Ferran Olivella, Joaquim Rifé, José Antonio Zaldúa, Salvador Sadurní, Ramon Besa, Charly Rexach, Johan Cruyff, José Ramón Alexanko, Terry Venables, Gary Lineker, Pau Gasol, Ferran Martínez, José María Bakero, Ronald Koeman, Louis Van Gaal, Miko Milany Warshaw, Gus Mahler, Nicolai Peralta, Carles Folguera, Graham Hunter, Jordi Roura, Eric Abidal. Documental. 120 min.

En este documental, el catalán Jordi Llompart (‘Viaje mágico a África’) repasa la historia del FC Barcelona a través de la mirada de analistas, testimonios, técnicos y jugadores. Su hagiográfico punto de vista parte del sueño y la visión de su fundador, Joan Gamper, y llega hasta la consagración gracias a sus éxitos y reconocimientos de los últimos tiempos, que le han convertido en uno de los clubs de fútbol más poderosos del planeta.

adak Tx.’ (2006) y ‘Pura vida. The Ridge’ (2012).

VINCENT VAN GOGH. UNA NUEVA MIRADA (Vincent Van Gogh: A New Way of Seeing

FICHA TÉCNICA

Director: Phil Grabsky. Música: Asa Bennett. Documental. 90 min.

Este documental del inglés Phil Grabsky (‘Timewatch’, ‘Matisse’) aborda una nueva visión del pintor tras años de análisis de su producción. Para ello se sumerge en exclusiva en la galería y el almacén del Museo Van Gogh de Amsterdam, que ha reestructurado por completo su colección con el fin de afrontar la verdadera historia de la vida y la obra de Van Gogh.

DESDE QUE EL MUNDO ES MUNDO

FICHA TÉCNICA

Director y guionista: Günter Schwaiger. Documental. 103 min.

Gonzalo es agricultor y vive con su familia en un pequeño pueblo de la Ribera del Duero, en el norte de Castilla. La antigua y sabia tradición de producir los alimentos que consume, desde la matanza del cerdo hasta su propio vino, le ha venido muy bien en estos tiempos de crisis que se viven en España, donde el cierre de fábricas, el paro y las duras imposiciones de la industria alimenticia obligan a los pequeños pueblos a luchar por sobrevivir. Como desde los tiempos remotos, su ciclo anual está marcado por la siembra y la cosecha, así como por las fiestas y las costumbres, nunca faltan dificultades y problemas pero tampoco alegría y satisfacción. ‘Desde que el mundo es mundo’ es un retrato de la España menos conocida, un homenaje a las cosas sencillas, a la naturalidad y a la refrescante rebelión de la sabiduría vital. La dirige el austriaco afincado en España Günter Schwaiger, autor de ‘Arena’ (2009), ponderado y emotivo acercamiento a la fiesta taurina.

EL VIAJE DE LAS REINAS

FICHA TÉCNICA

Directora: Patricia Roda. Guión: Patricia y Germán Roda. Documental. 68 min.

Quince actrices profesionales de diferentes edades se unen para llevar a cabo el montaje teatral ‘Reinas’, sobre doce reinas europeas. El proceso de creación, hasta el estreno, durará más de un año. A lo largo de ese tiempo, estas mujeres pasarán por muchas etapas, estados de ánimo, alegrías, fracasos, sueños y despertares.‘Arena’ (2009), ponderado y emotivo acercamiento a la fiesta taurina.

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