Hitchcock *** (6,5). No es la primera vez que una ficción cinematográfica recrea la gestación de una película. A veces se trata de una película real, como “RKO 281”, que reconstruía el rodaje de “Ciudadano Kane”, o “Mi semana con Marilyn”, que revisitaba la producción de “El príncipe y la corista”. En otras ocasiones, la película era una ficción que evocaba una época, como “Cantando bajo la lluvia” o “La noche americana”. Hasta ahora nadie se había atrevido a asomarse al mundo íntimo y personal de uno de los grandes “gentelmen” del cine, Alfred Hitchcock, el maestro del suspense. El londinense Sacha Gervasi —guionista de “La terminal” y director del documental “Anvil. El sueño de una banda de rock”—, traduce en imágenes un guión de John J. McLaughlin basado en el libro “Alfred Hitchcock and the Making of Psycho”, de Stephen Rebello. Y así se adentra en los entresijos del rodaje de “Psicosis”, un filme que puso a prueba la carrera del director, y que reveló un Hitchcock mucho más inquietante y turbio de lo que la gente conocía, incluidos los productores de la Paramount. Gervasi aprovecha la ocasión para contarnos en realidad la historia de su matrimonio y el papel decisivo que su esposa, Alma Reville, tuvo en la carrera profesional del cineasta.

El gran activo del filme es su reparto, encabezado por Anthony Hopkins en el papel de Hitchcock, y Helen Mirren en el de su esposa. Scarlett Johansson hace magistralmente de Janet Leigh, y Jessica Biel de Vera Miles. A lo pintoresco del personaje de Hitchcock, se le suma el telón de fondo de la política de los Estudios, los comités de censura…, aunque la película no se centra tanto en el proceso creativo como en la extraña psicología del director británico. La sólida relación de Hitchcock con su esposa se ve interferida por su pasión por las rubias y su tendencia al voyeurismo. Sobran quizá las escenas más psicoanalíticas, en las que el cineasta conversa con el verdadero psicópata, Ed Gein (Michael Wincott), que inspiró el libro “Psycho”, de Robert Bloch. La película es más interesante que brillante, y la disfrutarán sobre todo los cinéfilos conocedores de la obra del cineasta inglés. J. O.

El último desafío (The Last Stand) *** (6,5). El poderoso narcotraficante Gabriel Cortez (Eduardo Noriega) escapa en Las Vegas de la custodia del FBI, e inicia una espectacular fuga hacia México a bordo de un Corvette ZR1 modificado y con la agente Ellen Richards (Genesis Rodriguez) como rehén. Inmediatamente, el oficial del FBI John Bannister (Forest Whitaker) dirige su persecución, desplegando todos los medios a su alcance. Mientras tanto, un grupo de mercenarios —liderados por el cruel ex militar Burrell (Peter Stormare)— construye para Cortez un puente sobre un estrecho cañón entre Estados Unidos y México, cercano al pueblecito de Sommerton. Su sheriff es Ray Owens (Arnold Schwarzenegger), un veterano policía que trabajó durante años en el Departamento de Narcóticos de Los Ángeles, y que ahora ansía estar tranquilo hasta su jubilación. Le ayudarán a luchar contra Cortez y sus secuaces tres modestos agentes locales (Luis Guzmán, Zach Gilford y Jaimie Alexander), así como un joven detenido (Rodrigo Santoro) y un pirado coleccionista de armas (Johnny Knoxville), que se ofrecen como voluntarios.

Tras el relativo éxito internacional de sus películas “Dos hermanas”, “El bueno, el malo y el raro”, y “Encontré al diablo”, el cineasta surcoreano Kim Jee-woon debuta en Hollywood con “El último desafío”, un trepidante filme de acción, violento y tópico, pero entretenido y con divertidos toques de spaghetti-western a lo Quentin Tarantino. Con él, Arnold Schwarzenegger retorna al estrellato tras su larga experiencia como Gobernador de California y sus breves apariciones en las dos entregas de “Los mercenarios”. Jee-woon se luce en las numerosas persecuciones y peleas, y las adereza con un eficaz humor negro y sarcástico, autoparódico del género y, en concreto, de las películas de Schwarzenegger, que disfruta como un crío en todo momento, compensado así sus patentes limitaciones interpretativas. El resto del reparto cumple con creces su misión de apoyo, especialmente el español Eduardo Noriega, que se marca con Schwarzenegger una memorable pelea cuerpo a cuerpo. Además, la ensalada de sangre que ofrece la película se suaviza bastante con el citado humor, sobre todo en su segunda mitad. J. J. M.

Ai Weiwei: Never sorry *** (7). Premio Especial del Jurado en el Festival de Sundance 2012, este primer documental de la estadounidense Alison Klayman ofrece una abigarrada semblanza del famoso artista y activista chino Ai Weiwei, que, en los últimos años, ha captado la atención internacional con su ambiciosa y variada obra artística, fotográfica y fílmica, y con sus provocativas iniciativas contra el tiránico régimen comunista chino. Concretamente, la película documenta con profusión la persecución del régimen al propio Weiwei y a otros intelectuales críticos —como el Premio Nobel de la Paz 2010 Liu Xiaobo—, desvela el lado oscuro de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008 y denuncia la indignante falta de transparencia oficial sobre las miles de víctimas —más de 70.000, por lo menos— del terremoto de Sichuan de 2008, en el que murieron más de 5.000 niños —la mayoría, hijos únicos— por culpa de la ínfima calidad de construcción de las escuelas públicas en que estudiaban.

Con agilidad y sentido dramático, Klayman hilvana valioso material de archivo, numerosas entrevistas a Weiwei, a sus familiares y amigos, y a otros disidentes chinos; filmaciones de sus obras y exposiciones internacionales, e incluso, fragmentos de varias películas filmadas por el propio artista, como “Lao ma ti hua”, el documental que realizó sobre el terremoto de Sichuan. Queda así un brillante documento histórico, que denuncia al régimen comunista chino al tiempo que profundiza en la compleja personalidad y el arte singular y comprometido de Weiwei, desarrollado con todas las técnicas y en todo los formatos imaginables, también en las redes sociales, donde el artista chino se ha convertido en un incómodo icono. J. J. M.

Mapa *** (6,5). El joven cineasta santanderino León Siminiani es despedido de su trabajo en televisión. Deprimido y desorientado, retoma su sueño de hacer cine y viaja a la India en busca de su primer largometraje. Durante su proceso descubre que, en realidad, está huyendo, y que su búsqueda real no está en India sino en Madrid. Sin embargo, a su vuelta a casa, las cosas no salen exactamente como había previsto…

El premio ex aequo al mejor documental en el Festival de Sevilla 2012 y su candidatura en la misma categoría a los Goya 2012 avalan este singular primer largometraje de Siminiani, conocido por sus premiados cortos “Dos más”, “Archipiélago”, “Ludotearapia” y “El premio”, por su serie de microdocumentales “Conceptos clave del mundo moderno” y por piezas singulares como “Zoom” o la serie “Límites”. En cuanto a “Mapa”, se trata de una especie de documental de creación, narrado permanentemente en primera persona por el propio director, que desvela sus inquietudes, dudas y perplejidades al mismo tiempo que juega con los diversos elementos del lenguaje cinematográfico.

A pesar de sus irregularidades y caídas de interés, el resultado es notable gracias a la directa veracidad de su planteamiento de diario de viaje, a la sugestiva puesta en escena de Siminiani —realista y simbólica a la vez en todos sus variados formatos— y a una excelente selección de canciones de apoyo. Eso sí, al poco iniciado, esta “película-canción” —como la denomina Siminiani— le resultará pesada por fuera y banal por dentro, aunque, ciertamente, tiene momentos de alta belleza y emotividad, y ofrece sugerentes reflexiones sobre la creación artística y sobre los frágiles límites entre la realidad y la ficción. J. J. M.