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Estrenos de cine

Las críticas de los estrenos de la semana con Jerónimo José  Martín
Imagen de la película Ahora me ves 2
Imagen de la película Ahora me ves 2

Ahora me ves 2  | Now You See Me 2
*** (6)



Director: Jon Chu. Intérpretes: Mark Ruffalo (Dylan Rhodes), Woody Harrelson (Merritt McKinney), Jesse Eisenberg (J. Daniel Atlas), Dave Franco (Jack Wilder), Morgan Freeman (Thaddeus Bradley), Michael Caine (Arthur Tressler), Daniel Radcliffe (Walter Mabry). Guion: Ed Solomon, Pete Chiarelli. Producción: Bobby Cohen, Alex Kurtzman, Roberto Orci para Lionsgate, Summit. Música: Brian Tyler. Fotografía: Peter Deming. Dirección artística: Stuart Kearns. Montaje: Stan Salfas. Diseño de producción: Sharon Seymour. Vestuario: Anna B. Sheppard. País: USA. Año: 2016. Distribuidora: eOne. Duración: 129 min. Género: Thriller. Público apropiado: Jóvenes. Contenidos (de 0 a 4): Acción 3 | Amor 0 | Lágrimas 0 | Risas 1 | Sexo 0 | Violencia 0

Similar a su antecesora, pero más confusa y aburrida. Entretiene, pero no aporta nada ni a la saga ni al género. J. J. M.

Secuela de Ahora me ves..., entretenida película de acción y sorpresa que mezclaba el mundo de la magia con el thriller policiaco. En este caso, se retoma la historia de
los protagonistas un año después. Tras asombrar al mundo, hacer justicia contra los corruptos y dar con un par de narices al FBI, el grupo de los llamados “Jinetes” lleva
tiempo en la sombra, algo que empieza a molestarles. Pero coincidiendo con la llegada de un nuevo fichaje, la dicharachera Lula, el jefe Dylan Rhodes –aún
camuflado en la policía– planeará un espectáculo para acabar con una empresa tecnológica que juega y hace dinero con la intimidad de las personas. Sin embargo,
algo saldrá mal y Los Cuatro Jinetes serán secuestrados y trasladados a Macao.   No funciona esta película pese al presumible atractivo de la temática y al
estupendo reparto que contiene. Quizá el listón estaba muy alto, o quizá el gran problema es que ya no hay ninguna sorpresa para el espectador a la hora de
impactar con los trucos y parafernalias pirotécnicas y luminosas al estilo David Copperfield, a la sazón coproductor de la película. Es más, hay claramente un abuso
en este aspecto, de modo que amparados en los efectos especiales, la trampa en pantalla está servida y cualquier cosa parece posible. Pero el director Jon M. Chu no
ha sabido darse cuenta de que de esta manera el interés por el destino de los personajes se esfuma completamente, pues está claro que todo es una ilusión y el
conejo acabará saliendo de la chistera. Se podría subsanar tal lacra con una historia inteligente, imaginativa, pero inexplicablemente el guion de Ed Solomon olvida la
seriedad y se convierte en simple excusa para acumular escenas “mágicas”. Y como ni siquiera los personajes tienen la presencia del primer film, se llena ese vacío con
una palabrería confusa, un ritmo desenfrenado y unos espectáculos de malabarismos que ha fuerza de insistir acaban agotando hasta el extremo, como la larguísima y
tonta escena del robo del chip, un número circense totalmente ridículo.


Tampoco hace un favor al film el toque de comedia –especialmente con la aparición de ese cargante gemelo que hace posible el doble papel de Woody Harrelson–, aunque es verdad que sí tiene su gracia haber contado con Daniel Radcliffe (sin duda de lo mejor de la película) para encarnar al malvado magnate que quiere aniquilar a los magos, oh paradoja. También aportan empaque, es cierto, los veteranos Michael Caine y Morgan Freeman, e incluso tiene su punto la presentación del nuevo fichaje femenino, Lizzy Caplan, que sustituye a la Isla Fisher de la primera parte. En fin, Ahora me ves 2 es un entretenimiento correcto, pero bastante vacuo, que acaba haciéndose largo por su ligereza. DeCine21.com

 “La secuela sobre el mundo de la magia es una travesura inverosímil aún más absurda que la primera, pero ¿y qué?” Dave White: The Wrap



La leyenda de Tarzán | The Legend of Tarzan
*** (6)



Director: David Yates. Intérpretes: Alexander Skarsgård (John Clayton / Tarzan), Margot Robbie (Jane Clayton), Christoph Waltz (Leon Rom), Samuel L. Jackson
(George Washington Williams), Djimon Hounsou (Jefe Mbonga), Guion: Stuart Beattie, Craig Brewer, John Collee, Adam Cozad; basado en la novella de Edgar Rice
Burroughs. Producción: David Barron, Tony Ludwig, Alan Riche, Jerry Weintraub para Warner Bros. Pictures, Jerry Weintraub. Música: Rupert Gregson-Williams.
Fotografía: Henry Braham. Dirección artística: James Hambidge. Montaje: Mark Day. Diseño de producción: Stuart Craig. Vestuario: Ruth Myers. País: USA. Año: 2016.
Distribuidora: Warner. Duración: 109 min. Género: Aventuras. Público: Jóvenes. Contenidos: Acción 4 | Amor 2 | Lágrimas 0 | Risas 0 | Sexo 0 | Violencia 1

Bastante entretenida, pero no es demasiado original —es como una continuación de Greystoke— y ciertamente cabrea lo del rosario del malo y otra leve referencia
negativa a su catolicismo, que parece dar a enteder un rollito infantil con su párroco. De todas formas, son detalles leves y anecdóticos, que no estropean del todo la
película. Más cargantes son sus referencias al “apareamiento”, también en una breve escena sensual poco explícita. En realidad, intuyes una cierta contraposición interna
entre vida salvaje y religiosidad, como si ésta formará parte de un progreso mal entendido. J. J. M.

Hace mucho tiempo desde la llegada de Tarzán a la civilización y ahora vive una vida feliz en Londres junto a su esposa Jane. Pero aunque actualmente es Lord John
Clayton III, uno más entre los ceremoniosos aristócratas ingleses, su pasado como “Rey de los monos” sigue muy vivo entre la sociedad. Por eso, su presencia en el
Congo será solicitada por el rey belga como aliado para hacer prosperar el país. En realidad, se trata de un ardid con el que el lugarteniente del rey, el capitán Rom,
pretende hacerse con unos valiosos diamantes a cambio de entregar a Tarzán a un antiguo enemigo.  

Tarzán es uno de esos personajes a los que el cine siempre recurre cada poco tiempo. Creado por Edgar Rice Burroughs ha contado con interpretaciones ya legendarias, la más recordada la de Johnny Weissmuller. Ahora, La leyenda de Tarzán vuelve a confirmar el tirón que tiene este personaje, criado entre los monos, capaz de entenderse con los animales y, sobre todo, dueño de un corazón íntegro que no ha sido corrompido por la civilización. Elementos, quizá, que nos remueven porque retrotraen al Jardín de Edén y tienen algo de una vida más auténtica y sencilla que ya sólo podemos anhelar.

El guion de Adam Cozad y Craig Brewer acierta al ofrecer una historia novedosa, que imagina una especie de segunda parte de Greystoke, consistente en el retorno del héroe al hogar, la odisea a la selva –su Ítaca particular– de un hombre que en el mundo civilizado lo ha tenido todo: dinero, casa, relaciones y prestigio social. Y en su periplo, gracias a cuidados flashbacks, conocemos los hitos más relevantes de su pasado: su relación con los primates, su encuentro con Jane –luego convertida en esposa–, su amistad con los kubas y su rivalidad con la tribu del líder Mbonga. Por otra parte, se ha hablado de que el director David Yates salpica el film con detalles antirreligiosos. Es verdad. Ese rosario del que no se separa el indeseable Rom –”me lo regaló mi párroco”, dice– protagoniza burdas pero claras metáforas anticatólicas, como si fuera el arma secreta para someter a los pueblos, cual malvado amuleto del esclavismo. En todo caso, queda suficientemente claro que sería la cadena que ahoga a los inocentes y de la que habría que liberarse. Son muestras de la visión indigenista y simplona de un film, que por ende reivindica (aunque sin insistir, es cierto), la visión idílica de la vida natural –sexo y apareamiento son lo
mismo–, que ve en el progreso de occidente el origen de todos los males que hay que combatir.
 

Pero no todo lo ocupan estas cuestiones, porque La leyenda de Tarzán, hay que decirlo claramente, es ante todo una película de aventuras y una espectacular producción, visualmente asombrosa, con efectos especiales muy logrados, sobre todo en las imágenes con animales. Lo suyo es entretener, y vaya si lo hace, con escenas de gran impacto, como la de la lucha contra el hermano primate, o la de la brutal estampida final. No faltan momentos de humor y, claro está, guiños típicamente tarzanescos, como uso de las dianas como frenético medio de desplazarse, el clásico grito a voz en cuello o la presencia de elefantes y cocodrilos. Una vez metidos en harina, el ritmo no decae, pero la narración es ágil, no se aturulla, y como ya se ha comentado se insertan bien las imágenes del pasado para enriquecer el contenido. Ayuda también la resonante banda sonora de Rupert Gregson-Williams y el tema final interpretado por Hozier.

Entre las interpretaciones quienes mejores funcionan son sin duda una guapísima Margot Robbie en su papel de Jane, que no tiene nada de damisela, y el carismático Samuel L. Jackson, cuyo personaje sirve para dar la visión norteamericana de los abusos del poder esclavista y además ofrece un contrapunto magnífico de hombre con los pies en la tierra (nunca mejor dicho) con respecto al poco expresivo Alexander Skarsgård, cuyo correcto Tarzán no dejará mucha huella. Tampoco lo hace esta vez Christoph Waltz, no porque no haga un eficaz trabajo, sino porque repite otra vez un personaje que ya le hemos visto encarnar demasiadas veces. Hasta la escena de la comida recuerda a su odioso Hans Landa de Malditos bastardos. DeCine21.com

 “‘The Legend of Tarzan’ le quita la naftalina a la historia de Rice Burroughs (...) Una versión cara, espléndida y desafortunadamente digitalizada de la leyenda (...)
Puntuación: ??? (sobre 4)” Rex Reed: The New York Observer “‘The Legend of Tarzan’ tiene un montón de diversión (...) pero que la hace más disfrutable que otras historias recicladas de su estilo es que los realizadores le han dado a Tarzán una revisión imperfecta y reflexiva” Manohla Dargis: The New York Times

“El rey de la jungla regresa para asombrarnos con su estilo jovial y sus espectaculares pectorales (...) Esta nueva visión, enérgica y de gran presupuesto, de la vieja historia de Tarzán es entretenida (...) Puntuación: ??? (sobre 5)” Dave Calhoun: Time Out “Aunque su aspecto es espléndido, con su ramaje digital y sus realistas animales, la
historia se enfoca demasiado en su agarrotado héroe y en un villano simplón, más que en las grandes ideas que levanta a su paso (...) Puntuación: ?? (sobre 4)” Brian
Truitt: USA Today

“Aunque su talentoso reparto y un director sólido logran una aventura funcional e intermitentemente entretenida, hay muy poco de esta película que grite ‘TIENES QUE
VERLA’ (...) Puntuación: ??½ (sobre 4)” Richard Roeper: Chicago Sun-Times “Una historia de aventuras sin la aventura (...) La reinterpretación del rey de la jungla
es una gran decepción (...) Puntuación: ?? (sobre 5)” Chris Hewitt: Empire“Un remake intrínsecamente problemático (...) ‘The Legend of Tarzan’ acaba siendo una producción confusa y torpe que trata de complacer a todo el mundo y termina no complaciendo a nadie (...) Puntuación: ?? (sobre 5)” Jordan Hoffman: The Guardian “Alexander Skarsgård tiene más abdominales que talento como el hombre mono y la Jane de Margot Robbie parece una surfera australiana del siglo XIX. Juntos, producen una pasión tan auténtica como la de un anuncio de Abercrombie & Fitch (...) Puntuación: ?? (sobre 5)” Stephen Whitty: New York Daily News “‘The Legend of Tarzan’ es secuela, historia de origen y lección de historia revisionista y racialmente sensible, todo en uno (...) Entre esto y la ‘Pan’ del año pasado, todo sugiere que Warner Bros debería dejarle los reboots en acción real a Disney” Peter Debruge: Variety


“Una película de Tarzán hecha por personas que no entienden el encanto de Tarzán. Él es la dicha y el abandono, y la fantasía de vivir en armonía con la creación. Él no
trata sobre las luchas en el Congo” Mick LaSalle: San Francisco Chronicle

La correspondencia | La corrispondenza
** (5,5)



Director y guionista: Giuseppe Tornatore. Intérpretes: Jeremy Irons (Ed Phoerum), Olga Kurylenko (Amy Ryan), Shauna Macdonald (Victoria), Darren Whitfield
(Custode), Simon Meacock (Artista), Jerry Kwarteng (jefe laboratorio), James Bloor (muchacho), Rod Glenn, Stuart Adams (administrador), Anna Savva (Angela), Florian
Schwienbacher (Fattorino Tommy), Colin MacDougall (Impiegato). Producción: Isabella Cocuzza, Arturo Paglia para Paco Cinematografica. Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Fabio Zamarion. Dirección artística: Maurizio di Clemente, Lucio Di Domenico. Montaje: Massimo Quaglia. Diseño de producción: Maurizio Sabatini.
Vestuario: Gemma Mascagni. País: Italia. Año: 2016. Distribuidora: Filmax. Duración: 116 min. Género: Drama. Público apropiado: Jóvenes-adultos. Acción 0 | Amor 4 |
Lágrimas 2 | Risas 0 | Sexo 1 | Violencia 0

Se deja ver, pero se alarga en exceso este melodrama desatado, en el que Olga Kurylenko da un paso adelante como actriz dramática. J. J. M.

Una historia de amor apasionado entre la joven Amy, especialista de escenas arriesgadas de acción en películas y estudiante de astrofísica, y su profesor Ed, de
más edad, casado y padre de familia. Aunque ambos ignoran adónde les puede llevar la relación, él no deja de sorprenderla con mil detalles de afecto que se anticipan a lo
que pudiera desear, es verdaderamente una caja de sorpresas. Al mismo tiempo, enseguida se advierte que ambos guardan espacios de su vida en secreto, tienen
miedo a abrirse y compartirlos. Lo que queda especialmente claro cuando Amy, tras dos meses de comunicación sólo digital, teléfono, vídeos, correos electrónicos, y
envíos de regalos, se entera de que Ed ha muerto. Lo más curioso del caso es que la relación sigue, pues Ed ha orquestado, siguiendo su gusto por los juegos, un
sofisticado sistema de mensajes y regalos, para continuar en contacto con su amada, y ayudarle de algún modo a pasar página.

Giuseppe Tornatore, guionista y director, vuelve a rodar en inglés tras La mejor oferta, y de nuevo son reconocibles sus señas de identidad, un romanticismo
exacerbado, y el gusto por ofrecer una trama con cierta capacidad de sorprender y emocionar. Todo apoyado por una preciosa banda sonora de su compositor habitual,
Ennio Morricone.

Aunque Tornatore logra intrigar con su película, también cabe decir que una vez conocido lo que hay, se produce una sensación de estiramiento narrativo, demasiadas cartas ocultas en la manga, que vienen a ser más de lo mismo, por mucho que pretendan resultar novedosas. Cierto que se puede considerar como un modo de subrayar el modo en que nos aferramos a las cosas y las personas, y lo difícil que nos resulta aceptar determinados hechos, pero a la postre el planteamiento resulta demasiado alambicado, un ejercicio de estilo cansino.


Puede ser acertada la metáfora de las estrellas, que después de muertas, miles de años después, siguen comunicándonos su brillo, y que lo mismo vendría a ocurrir con la persona amada. Pero a la vez hay una sensación de obsesión casi necrofílica, algo exagerada, de modo que la idea de que la vida continúa –hay que seguir trabajando, amando, perdonando, buscando la paz...– queda algo diluida.

Tiene mérito el esfuerzo interpretativo de Olga Kurylenko, a la que toca sostener la película todo el tiempo con su presencia sufriente. Mientras que Jeremy
Irons siempre resulta eficaz, aunque aquí venga a la ser la suya como una presencia espectral. DeCine21.com

Rosa Madrid (España) Una pastelada! Me animé a verla por los actores pero a medida que avanza la historia, te entran ganas de una cervecita, un aperitivo, ir a cenar con amigos... Es simplemente, soporífera. Un pastelón, una tontería. Una tomadura de pelo. Totalmente prescindible.

Sunset Song
*** (6)



Director: Terence Davies. Intérpretes: Agyness Deyn (Chris Guthrie), Peter Mullan (John Guthrie), Kevin Guthrie (Ewan Tavendale), Mark Bonnar (Reverendo Gibbon),
Ron Donachie (Tío Tam), Stuart Bowman (Alex Mutch), Daniela Nardini (Jean Guthrie), Jack Greenlees (Will Guthrie). Guion: Terence Davies; basado en la novela
de Lewis Grassic Gibbon. Producción: Roy Boulter, Sol Papadopoulos, Nicolas Steil para Sunset Song Ltd. Música: Gast Waltzing. Fotografía: Michael McDonough.
Dirección artística: Mags Horspool. Montaje: David Charap, Ruy Diaz. Diseño de producción: Andy Harris. Vestuario: Uli Simon. País: Reino Unido. Año: 2015.
Distribuidora: Festival Films. Duración: 135 min. Género: Drama. Público: Adultos. Contenidos (de 0 a 4): Acción 0 | Amor 2 | Lágrimas 2 | Risas 0 | Sexo 2 | Violencia 1

Aunque goza de buena factura y mejores interpretaciones, se espesa en exceso esta versión de la novela del escocés Lewis Grassic Gibbon. J. J. M.

Lewis Grassic Gibbon fue un escritor escocés que nació con el siglo XX y murió joven, siendo un treintañero. Periodista y escritor es autor de la trilogía de novelas “A
Scots Quair”, y la primera del lote es la que da título a Sunset Song. Se trata de una mirada a la sociedad rural escocesa anterior al estallido de la Primera Guerra
Mundial, sobre todo a la granja de los Guthrie, y aún más específicamente a la hija, Chris. La reflexión sobre el paso del tiempo y el entorno familiar, tantas veces
opresivo, coincide con los intereses temáticos de su director y guionista, el británico Terence Davies, se reconoce al autor de Voces distantes y El largo día se acaba, que
después de bucear en recuerdos personales ha adaptado a autores como John Kennedy Toole, Edith Wharton y Terence Rattigan. Aquí es Gibbon el que le ofrece la
oportunidad de recrear su visión de las cosas con una preciosa fotografía de claroscuros en interiores, y muy sugerente en los exteriores, con los campos mecidos
por el viento.
    

Eso de “la canción de la puesta de sol” parece indicarnos que el día siempre se está poniendo, y que los ciclos de la vida tienden a repetirse, aunque cambien los usos sociales, y las personas puedan mejorar. El entorno atávico y opresivo lo representa Peter Mullan, el personaje del patriarca insensible que ejerce una paternidad poco responsable en casi todos los aspectos le viene al pelo. Su numerosa familia sufre las consecuencias, aunque la esposa haya aguantado lo indecible, y también el hijo mayor. Cuando una serie de
avatares dejan a Chris sola al frente de la granja familiar, parece que las cosas podrían ser diferentes, existe la posibilidad de un matrimonio por amor, una maternidad más gozosa, y un trabajo mejor llevado. Pero siempre hay sucesos, como una guerra, que pueden trastocar la felicidad, y lo que deriva de ellos hay que saber
encajarlo del mejor modo posible, para seguir viviendo.

Davies es un cineasta sensible, capaz de sostener los planos, y recurrir al fuera de campo cuando lo considera oportuno; otras veces busca con exceso el preciosismo, también en las escenas íntimas que se diría que exigen un trato más pudoroso. Los actores están bien, aunque hay en ellos un punto de frialdad, quizá es el carácter de sus personajes. Y a pesar de los condicionamientos sociales y del destino, se quiere poner en valor la libertad, hay elecciones –de la madre de Chris, de la propia Chris, del hombre al que ésta ama y que es llamado a filas...– que permiten dirigir la propia existencia, aunque acerca de su moralidad podría discutirse bastante. DeCine21.com

“El director compone de nuevo una tensa elegía sobre el duro destino de un pueblo entero. (...) la película se organiza por cuadros vivientes con la evidente virtud de la
vibración. Todo en ‘Sunset song’ resuena.” Luis Martínez: El Mundo“Es bonita visualmente, aunque se empeñe en hacer planos interminables (...) pero su argumento y su ritmo me resultan fatigosos. Me agota el monólogo interior y las consideraciones espirituales de esa mujer joven y con tan mala suerte” Carlos Boyero: Diario El País

Caballo ganador |Dark Horse
*** (7)



Directora y guionista: Louise Osmond. Producción: BFI, Channel 4, Ffilm Cymru Wales. Fotografía: Benjamin Kracun. Montaje: Joby Gee. País: Reino Unido. Año:
2014. Distribuidora: Betta Pictures. Duración: 85 min. Género: Documental. Público apropiado: Jóvenes. Contenidos (de 0 a 4): Acción 1 | Amor 2 | Lágrimas 1 | Risas 0 |
Sexo 0 | Violencia 0

Sinopsis: Mientras unos juegan a la lotería; ellos compraron un caballo. En un pequeño pueblo minero de Gales afectado por la crisis, un grupo de amigos sin
trabajo y con unas perspectivas de futuro poco alentadoras deciden reunir el dinero que les queda para comprar un joven y en apariencia no demasiado prometedor
caballo de carreras. Su inverosímil apuesta, en contra de todo pronóstico, se convierte inesperadamente en todo un campeón, catapultando a sus humildes dueños y a su fiel compañero al sofisticado y selecto mundo de la alta sociedad británica. La increíble y conmovedora historia real de un grupo de amigos que hicieron su sueño realidad en un mundo al que no pertenecían. (La.Butaca.net)

Espléndido documental sobre un grupo de mineros  galeses que compran y crían un caballo purasangre de carreras para competir en los grandes premios. Social y emocionante. J. J. M.

Increíble historia real de comienzos del siglo XXI, en que una mujer de un pueblecito de Gales, en una zona eminentemente marina, toma la decisión de preparar un
caballo para las carreras, sin contar con ninguna experiencia en dicho terreno, y sin contar personalmente con dinero para invertir en tal aventura. Janet Vokes, que
trabaja en la barra del pub del pueblo, convence primero a su marido chatarrero, y luego a varios lugareños, que deben aportar 10 libras semanales para poder preparar
a un hermoso animal para las competiciones, fichar a un preparador, contratar a un jinete, etc. Contra pronóstico, Dream Alliance –la Alianza del Sueño, el nombre que
dan al animal– empieza a descollar enseguida.

Louise Osmond entrega de modo eficaz un documental que habla de la posibiidad de hacer realidad los sueños si uno cree en ellos y pone empeño suficiente para materializarlos. Lo que tiene más fuerza cuando se trata de una especialidad que se asocia habitualmente con las élites, y así tiene gracia ver en el film el contraste entre los típicos y adinerados propietarios de caballos, y los sencillos propietarios de Dram Alliance. Además, destaca la humanidad con que es tratado el caballo –el animal no es reducido a la categoría de cosa prescindible–, también en las etapas en que las posibilidades de que pueda llegar a ser un campeón son remotas. DeCine21.com

“Una reconfortante historia real recreada con maestría en un documental irresistible y lleno de emoción” Screendaily

Xixón Gijón (España) Emocionante historia de un caballo y un pueblo de Gales Muy recomendable para recordar que a veces, cuando menos te lo esperas, algo te espierta de la rutina y te hace emocionarte. Como en un pequeño pueblo de Gales renace la esperanza y la ilusión por criar un caballo y competir con la élite social de Gran Bretaña. No os la perdáis.

Lolo
** (4,5)

Director: Julie Delpy. Intérpretes: Julie Delpy (Violette), Dany Boon (Jean-René Graves), Vincent Lacoste (Eloi, Lolo), Karin Viard (Ariane), Georges Corraface (Sakis), Christophe Vandevelde (Gérard), Julie Tristant. Guion: Julie Delpy, Eugénie Grandval. Producción: Michael Gentile para The Film, France 2 Cinéma, Mars Films. Música: Mathieu Lamboley. Fotografía: Thierry Arbogast. Dirección artística: Cécile Arlet Colin. Montaje: Virginie Bruant. Diseño de producción: Emmanuelle Duplay. Vestuario: Pierre-Yves Gayraud. País: Francia. Año: 2015. Distribuidora: Golem. Duración: 99 min. Género: Comedia. Público apropiado: Adultos. Contenidos (de 0 a 4): Acción 0 | Amor 2 | Lágrimas 0 | Risas 1 | Sexo 1 | Violencia 0

Es tan frívola y cargante esta tradicomedia de la francesa Julie Delpy, que hasta desentona en ella Danny Boon. J. J. M.

Violette y su amiga Ariane pasan unos días de vacaciones en Biarritz. Allí Violette conoce a un lugareño sencillo e ingenuo, Jean-René, con quien tiene un idilio que poco a poco se convierte en amor. Ya instalados en París, en donde él ha encontrado un trabajo de informático en un banco, los enamorados seguirán viéndose pero sufrirán diversas crisis. En realidad, todas las calamidades son provocadas por Lolo, el manipulador hijo de Violette, que pretende destruir la relación.
 

La cantante y actriz Julie Delpy (Antes del atardecer), ha dirigido varias películas, todas ellas con un aire desenfadado que se acercan a la vida cotidiana con hechuras de tragicomedia, como Dos días en París o su secuela Dos días en Nueva York. De ese mismo estilo es Lolo, comedia romántica modernilla, es decir con personajes divorciados, vidas desahogadas económicamente, trabajos sofisticados y glamourosos y anhelos de vivir una segunda juventud, preferiblemente con un idilio amoroso-sexual que cambie sus vidas. La originalidad en este caso es introducir el personaje del edípico hijo que no soporta compartir a su madre y se dedica a hacer la puñeta al novio, algo que no está del todo bien servido en pantalla, pues los adultos parecen completos tontainas y no resulta verosímil que ignoren las habilidades psicópatas del dulce y simpático Lolo (Vincent Lacoste). Queda así la idea clara de la necesidad de empujar a los hijos a abandonar el nido, de cortar cadenas y obligarles a sacarse las castañas del fuego si no se quiere caer en sus redes para siempre.


Salva un poco la película que se trata de una comedia sin grandes pretensiones y que se centra en un correcto trabajo actoral. Brilla más en esta ocasión Julie Delpy que el payasillo Dany Boon (Bienvenidos al norte), que aquí encarna a un personaje bastante romo, por no decir embobado, que sólo ofrece contados momentos para la risa. Sí que son graciosas las apariciones de esa gran actriz que se llama Karin Viard (La familia Bélier), aunque en este caso casi siempre sea para soltar soeces o chistes sexuales de calibre desmesurado. En fin, una lástima de película, porque el inicio fresco y ligero prometía mucho más. DeCine21.com

 “Las bufonadas vulgares se interponen en el camino de una fértil premisa cómica (...) Podría haber sido una película lograda si se hubiera situado en un registro menor”
Andrew Barker: Variety “Delpy se inclinó por resoluciones que casi siempre son torpes y efectistas, propias de una mala tira televisiva. Es tanta la fruición por acumular chistes de dudoso gusto que ni siquiera queda tiempo para cerrar la historia de una manera lógica.” Alejandro Lingenti: Diario La Nación
“Es una comedia que subestima al espectador con recursos humorísticos básicos y previsibles.” Gaspar Zimerman: Diario Clarín “No sólo es un punto de partida abrumadoramente convencional, sino que el guion completa ese mal comienzo con una acumulación de chistes de lo obvio a lo olvidable, y ni siquiera la gracia de Delpy o (...) Dany Boon consiguen sacarle algo de jugo a esas piedras.” Juan Pablo Cinelli: Diario Página 12

Berberian Sound Studio
** (4)





Director y guionista: Peter Strickland. Intérpretes: Toby Jones (Gilderoy), Tonia Sotiropoulou (Elena), Susanna Cappellaro (Veronica), Cosimo Fusco (Francesco), Layla Amir, Eugenia Caruso (Claudia), Hilda Péter. Producción: Mary Burke y Keith Griffiths para Illuminations Films, Warp X. Música: Broadcast. Fotografía: Nic Knowland. Dirección artística: Sarah Finlay. Montaje: Chris Dickens. Diseño de producción: Jennifer Kruger. Vestuario: Julian Day. País: Reino Unido. Año: 2012. Distribuidora: La Aventura Audiovisual. Duración: 92 min. Género: Terror. Público: Adultos. Contenidos (de 0 a 4): Acción 0 | Amor 0 | Lágrimas 2 | Risas 0 | Sexo 2 | Violencia 2

Sinopsis: En la década de los setenta, el Berberian Sound Studio fue el estudio de postproducción de sonido más barato y sórdido de toda Italia, por el que solamente las películas más perturbadoras han procesado y editado sus mezclas de sonido en este lugar. Gilderoy, un tímido ingeniero de sonido residente en el Reino Unido, viaja a Italia para encargarse de mezclar el último giallo de Santini, el gran maestro del género; Gilderooy pronto se verá atrapado en un mundo prohibido poblado por actores maniáticos donde los caprichos artísticos y la burocracia más absurda marcan el día a día.

Inaguantable y bizarro homenaje al cine de terror italiano —el guiallo—, a través de la imaginaria figura de un técnico de sonido británico que va a trabajar a Italia. Qué
peñazo. J.J.M.

Moniruki Madrid (España) Estafa Si señores, estafada me sentí con una película que me prometía un gran homenaje al “gallo” y finalmente resultó una grandísima decepción. Mala, muy mala. Vas dejando pasar el tiempo esperando que ocurra algo y te vas desesperando porque no ocurre nada.

Friki del Terror Sevilla (España) Más que intriga, confusión No sé si es no la he entendido bien porque soy cortito, o si porque el director se ha metido adrede en camisa de once varas para hacer una peli que no se entienda bien. Hay algunos que dicen que en el segundo visionado del film te das cuenta de muchas cosas y la comprendes mejor. Yo, personalmente, no le daré esa segunda oportunidad.

Es una amalgama de escenas que a menudo que avanza el metraje van perdiendo coherencia argumental, si bien la propuesta de los primeros minutos no estaba del todo clara ni era especialmente llamativa. La excusa de ambientarla en un sombrío y reducido estudio de sonido y doblaje de películas “giallo” puede resultar apetecible, pero poco a poco todo se vuelve confuso y un puntito surrealista, hasta el punto que uno acaba por desconectar de la película y esa profundidad pomposa y “gafipástica” que emana de ella. Algo así como que sólo la deben entender, los que la deben entender... el resto, a ver TRANSFORMERS.

javieritos asturias (España) RAREZA ABURRIDA Y MUY RELAMIDA El prota es Toby Jones, ese grimoso actor parecido a Don Sapo que tuvo su momento de gloria haciendo de Capote en Historia de un crimen y al que de partida ya tengo una manía terrible. Bueno, el caso es que se nos cuenta la peli de terror gótica a través de los efectos de sonido que Don Sapo y sus colegas emplean, en los estudios que trabajaron el género con mejores resultados y peores medios.
 

¿Cuál es el problema entonces, si me encanta el giallo y cualquier homenaje es más que bien recibido? Pues que el tal Strickland, director de culto al que no proceso ningún aprecio se cree demasiado su propia genialidad y nos cuela un bodrio incomprensible en el que realmente parece no suceder nada. Y aburre mucho, mucho, mucho. Fea, insustancial, pretenciosa y vacía, se salva por el estupendo ejercicio sonoro. Pero no basta, no es un documental, sino un supuesto thriller...

La historia interminable | Die unendliche Geschichte / The Never Ending Story
*** (7)


Director: Wolfgang Petersen. Intérpretes: Barret Oliver (Bastian), Noah Hathaway (Atreyu), Moses Gunn (Cairon), Tami Stronach (Emperatriz Infantil), Patricia Hayes
(Urgl), Sydney Bromley (Engywook), Thomas Hill (Carl Conrad Coreander), Deep Roy (Teeny Weeny). Guion: Wolfgang Petersen, Herman Weigel; basado en la novela
de Michael Ende. Producción: Bernd Eichinger, Dieter Geissler, Bernd Schaefers para Neue Constantin Film, Bavaria Studios, Westdeutscher Rundfunk (WDR). Música:
Giorgio Moroder, Klaus Doldinger. Fotografía: Jost Vacano. Dirección artística: Johann Kott, Herbert Strabel, Götz Weidner. Montaje: Jane Seitz. Diseño de producción: Rolf
Zehetbauer. Vestuario: Count Ul De Rico, Diemut Remy. País: Alemania del Oeste (RFA). Año: 1984. Distribuidora: 39 Escalones. Duración: 94 min. Género: Fantástico.
Público apropiado: Todos. Contenidos (de 0 a 4): Acción 3 | Amor 3 | Lágrimas 0 | Risas 1 | Sexo 0 | Violencia 0

Sinopsis: Escondido en el desván de su colegio, Bastian devora durante las horas de clase un libro enigmático, “La historia interminable”, que relata la paulatina destrucción del Reino de Fantasía. Una especie de “Nada” misteriosa destruye el país y a las criaturas que lo habitan. A medida que avanza en la lectura, Bastian se da cuenta de que la salvación de Fantasía depende de él; de que consiga entrar dentro del libro...

En el desván de su casa, un chico llamado Bastian Baltasar Bux devora un imaginativo libro de fantasía. En el interior de sus páginas, el valiente guerrero Atreyu parte en un desesperado viaje para salvar el mundo de Fantasía del peligro de la nada. El alemán Wolfgang Petersen, director de El submarino, es el responsable de esta esforzada adaptación de la imprescindible novela de su compatriota Michael Ende, todo un clásico de la literatura juvenil. Su éxito propició dos secuelas. DeCine21.com

Sebastián Santa Cruz de tenerife (España) Fantasí no tiene fronteras La película que nos hizo soñar a todos y nos envolvió en un mundo de fantasía. Marcó una generación con los efectos especiales y las marionetas, una película inolvidable por su guion, música, paisajes, acción, fantasía, magia, color, fotografía. La película contó con un presupuesto de 27 millones de dólares la película alemana más cara de la historia de su país, una ejecución en la dirección por parte del director impresionante, la película es real y combina la fantasía y la realidad envolviendo al espectador y contando una historia que nos hará soñar, reír, llorar, tiene todos los ingredientes para ser una película inolvidable la cual ya forma parte de la historia del cine.

Choco Asturias (España) Magia. Maratón Fantástico y ciencia ficción Entrañable y mágica. Es raro que una película tan llena de efectos especiales tan vieja, no se vea mal. Supongo que eso pasa cuando están para apoyar una historia y no son el centro de la peli. Pasa con las lechugas del primer secuestrador de cuerpos (ese en blanco y negro). Se ve de sobra que son de plástico y aún así te dan un miedo que no veas. Aquí pasa algo parecido: el protagonista volando en ese perro de peluche, canta más que el sobaco de un mendigo, pero igualmente vuelas con ellos. Eso es magia!.

edugrn L’Ametlla del Vallès (España) Fantástica Genial película. Un grato recuerdo que tengo de la niñez, y que de adulto la he vuelto a disfrutar. Dejando de lado el tema de los efectos especiales (que en su día eran lo más), sigue emocionando y tiene una trama que aún hoy en día se puede aplicar a nuestros días. Quizás el final un poco abrupto, sin saber realmente como acaba, es por eso, que me he animado a comprar el libro y leérmelo de nuevo (que también lo lei cuando era pequeño), y según dicen hay muchas diferencias con el libro, que incluso sólo se narra hasta la mitad. Aún así, como película sin tener en cuenta lo del libro, es fantástica.

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