SOBRAN LAS PALABRAS (Enough Said) *** (6)

FICHA TÉCNICA.- Directora y guionista: Nicole Holofcener. Intérpretes: Julia Louis-Dreyfus, James Gandolfini, Catherine Keener, Toni Collette, Ben Falcone, Tracey Fairaway, Ivy Strohmaier, Tavi Gavinson. EE.UU. 2013. Tragicomedia. 93 min. Jóvenes-adultos.

Nacida en Nueva York en 1960, la cineasta Nicole Holofcener es hija del artista Laurence Holofcener y de la escenógrafa Carol Holofcener. Pero, cuando sus padres se divorciaron, fue criada por el nuevo marido de su madre, Charles H. Joffe, productor habitual de Woody Allen. De modo que Nicole Holofcener aprendió a hacer cine en los rodajes de sus películas. Eso ya se apreciaba en sus cuatro primeras películas como directora: “Walking and Talking (Nadie es perfecto)”, “Lovely & Amazing”, “Amigos con dinero” y “Encuentros en Nueva York”. Y ahora lo confirma en la tragicomedia “Sobran las palabras”, la penúltima película como actor del recientemente fallecido James Gandolfini (“Los Soprano”), y la consagración cinematográfica de la popular actriz televisiva Julia Louis-Dreyfus (“Seinfeld”, “Las aventuras de Christine”, “Rockefeller Plaza”, “Veep”), que opta por su trabajo al Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.

Eva (Julia Louis-Dreyfus) es una mujer divorciada al borde de los cincuenta, que trabaja como masajista en una zona residencial de una ciudad de Estados Unidos. Aunque no renuncia al amor, su principal preocupación es la inminente partida a la universidad de su hija Ellen (Tracey Fairaway). También tiene que lidiar con el síndrome del “nido vacío” Albert (James Gandolfini), un cincuentón sencillo, cariñoso, divertido e igualmente divorciado. Ambos se conocen en una fiesta, sintonizan poco a poco y comienzan a salir juntos. Pero la amistad de Eva con una nueva clienta, la poetisa Marianne (Catherine Keener), pondrá en peligro el incipiente romance.

Lo mejor de esta película son las interpretaciones de Julia Louis-Dreyfus y James Gandolfini, plenas de naturalidad y magníficamente secundadas por Catherine Keener, Toni Collette y otros estupendos intérpretes. Mimados por la naturalista puesta en escena, sus trabajos sacan brillo al fresco y guion de la propia Nicole Holofcener, que lanza una mirada a la vez mordaz y entrañable a sus perplejos personajes, todos ellos insatisfechos con la vida que llevan y dominados por el miedo y la falta de sinceridad. Pero precisamente esa falta de referentes éticos sólidos, unida a lo inverosímil del enredo central y a una visión del sexo superficial y a veces zafia, acaba por debilitar el conjunto, tanto narrativamente como en su condición de fábula moral, radiografía generacional y tragicomedia romántica. J. J. M.



UNA VIDA SENCILLA (Tao jie / A Simple Life) **** (8)

FICHA TÉCNICA.- Directora: Ann Hui. Intérpretes: Andy Lau, Deanie Ip, Anthony Wong, Tsui Hark, Lawrence Ah Mon, Dennis Chan, Raymond Chow, Chan Wing-Chiu, Chim Sui-man, Hui Pik Kee. Guion: Susan Chan y Lee Yan-lam. China-Hong Kong. 2011. Drama. 117 min. Jóvenes.

Durante sesenta años, la casi octogenaria Ah Tao (Deanie Ip) ha trabajado como fiel sirvienta para la familia Leung. Ahora cuida de Roger (Andy Lau), un famoso productor de cine, que ya es el único miembro del clan que todavía vive en Hong Kong. Un día, Tao sufre un derrame cerebral, y Roger la lleva al hospital. Por insistencia de ella, el hombre le encuentra finalmente una modestísima habitación en una residencia de ancianos dirigida por un viejo amigo. Pero Roger la sigue visitando, animando y atendiendo casi a diario, de modo que va comprendiendo poco a poco lo mucho que la anciana criada significa para él.

Escasas semanas después del estreno de las excelentes películas japonesas “Una familia de Tokio”, de Yôji Yamada, y “De tal padre, tal hijo”, de Hirokazu Kore-eda, llega a España “Una vida sencilla”, otra joya venida de Extremo Oriente. Se trata también de un sereno y a ratos divertido melodrama de tema familiar, pero esta vez basado en hechos reales y dirigido por la cineasta de la nueva ola de Hong Kong Ann Hui (“Vacaciones en Shanghai”, “Boy from Vietnam”). De nuevo, el guion desborda humanidad, detallismo y emotividad, es maravillosamente traducido en imágenes a través de una puesta en escena siempre sugerente y sustancial, y es encarnado por unos actores sensacionales, liderados por el popular Andy Lau y la veterana cantante Deanie Ip, que ganó por este filme la Copa Volpi a la mejor actriz en el Festival de Venecia 2011. En fin, una delicia para los amantes del mejor cine y una conmovedora exaltación de la lealtad, la amistad, el espíritu de servicio y el respeto a los mayores, especialmente apropiada en estos tiempos que vivimos, ferozmente individualistas. J. J. M.



FUTBOLÍN (Metegol) *** (6,5)

FICHA TÉCNICA.- Director: Juan José Campanella. Guion: Juan José Campanella, Eduardo Sacheri, Gaston Goralli y Axel Kuschevatzky, basado en el cuento “Memorias de un wing derecho”, de Roberto Fontanarrosa. España-Argentina. 2013. Fantasía. 106 min. Todos.

El cineasta bonaerense Juan José Campanella se ganó un merecido prestigio por sus trabajos en diversas series televisivas estadounidenses —como “Strangers with Candy”, “Ley y orden” o “House”— y en largometrajes argentinos como “El niño que gritó puta”, “Y llegó el amor”, “El mismo amor, la misma lluvia”, “El hijo de la novia” o “Luna de Avellaneda”. Finalmente, triunfó en todo el mundo con “El secreto de sus ojos”, Oscar 2010 a la mejor película en habla no inglesa. Ahora, en “Futbolín”, transforma el cuento “Memorias de un wing derecho”, del escritor rosarino Roberto Fontanarrosa, en una especie de híbrido entre “Toy Story” y “Luna de Avellaneda”.

Un padre relata a su hijo —que vive enganchado a la consola de videojuegos— la alucinante historia de un chaval como él. Ya de niño, Amadeo era el mejor jugador de futbolín del bar que su padre regentaba en una pequeña ciudad argentina. Y ya entonces, el enclencle y desgarbado Amadeo estaba enamorado en secreto de la guapa Laura, su mejor amiga. El momento culminante de su infancia fue cuando ganó en el metegol a El Grosso, un atlético y presumido chaval de su edad. Años después, Amadeo sigue siendo tímido y bondadoso, sigue trabajando en el bar de su padre, sigue jugando al futbolín —ya bastante ajado— y sigue sin atreverse a manifestar su amor a Laura, que está más guapa que nunca. En ésas, retorna al pueblo El Grosso, que ahora es un rico y famoso jugador de fútbol profesional, al que llaman El Crack. Su oscura intención es vengarse de aquella humillación infantil comprando todo el pueblo para transformarlo, con ayuda de su siniestro manager, en una ciudad sofisticada, con un gran estadio y numerosos casinos. Pero, al poco de que Grosso le destruya el bar, Amadeo descubre que, por arte de magia, los jugadores de su querido futbolín han cobrado vida. Liderados por el carismático Capi, ayudarán a Amadeo y a otros jóvenes frikis del pueblo en su lucha contra El Crack. Un lucha que culminará, claro, en la cancha de fútbol.

Esta ambiciosa coproducción hispano-argentina de animación en 3D estereoscópico —la primera película argentina con esa técnica— goza de una estupenda animación por ordenador, en la que se aprecia para bien la labor de supervisión del magnífico animador español Sergio Pablos, tanto en los imaginativos fondos como en el diseño y la gestualidad de los personajes, aunque algunos resultan demasiado parecidos al de otras producciones animadas recientes. Sin embargo, ese esfuerzo técnico se ve un tanto devaluado por culpa del guion, poco fluido y un tanto caótico, quizás por un exceso de personajes y tramas paralelas. En todo caso, se trata de una película notable, con pasajes espectaculares y cinéfilos golpes de humor, como ese futbolero homenaje inicial a “2001, una odisea del espacio”, de Stanley Kubrick, o ese otro a “Apocalypse Now”, de Francis Ford Coppola. Además, ofrece certeras críticas a la adicción a los videojuegos y a la especulación inmobiliaria, así como una enriquecedora y nostálgica exaltación del amor, la amistad, la solidaridad, el trabajo en equipo y el verdadero espíritu deportivo frente a su mercantilización. Por eso no sorprende que haya sido un exitazo en Argentina. Veremos cómo funciona en España. J. J. M.



LLUVIA DE ALBÓNDIGAS 2 (Cloudy With a Chance of Meatballs 2) *** (6,5)

FICHA TÉCNICA.- Directores: Cody Cameron y Kris Pearn. Guion: John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, basado en los personajes creados por Judi Barrett y Ron Barrett. EE.UU. 2013. Aventuras fantásticas. 95 min. Todos.

El joven inventor Flint Lockwood pensó que había salvado el mundo cuando consiguió destruir su invento más infame: una máquina que convertía el agua en comida, y que provocó lluvias de hamburguesas con queso y tornados de espaguetis. Y está encantado de que su genialidad haya sido finalmente reconocida por su ídolo, el famoso científico Chester V, que le ha invitado a unirse a The Live Corp Company, donde los mejores y más brillantes inventores del mundo crean nuevas tecnologías para el bienestar de la humanidad. Pero todo cambia cuando descubren que la máquina de Flint sobrevivió en una isla, donde está creando miles de inquietantes híbridos de animales y comida: los comidanimales. Flint, su novia la reportera televisiva Sam Sparks, su padre Tim, sus amigos y la manipuladora orangutana inteligente Barb —siniestra mano derecha de Chester V— emprenderán la peligrosa misión de intentar salvar al mundo una vez más, enfrentándose a hambrientos tacodrilos, gambancés, patatótamos, burguerañas y otras quimeras singulares.

Dirigida esta vez por Cody Cameron (“Colegas en el bosque 3”) y el debutante Kris Pearn, esta continuación de “Lluvia de albóndigas” se basa también en las novelas de Judi y Ron Barrett. Como su antecesora, ofrece una notable animación 3D estereoscópica, cuya espectacularidad se acrecienta ahora con la imaginativa galería de comidanimales, en la mejor tradición del cine de aventuras y con toques de ternura y humor, que la hacen más atractiva y compensan en parte la todavía mejorable gestualidad de los personajes humanos. También mantiene esta secuela un positivo elogio de las virtudes básicas y una lúcida crítica a la mitificación y mercantilización de la ciencia, aderezada esta vez con un sencillo mensaje ecológico, en la línea de “Avatar” o “Epic: El mundo secreto”.

Sin embargo, de nuevo esos sabrosos ingredientes se articulan en un guión demasiado acumulativo, confuso y deslavazado, con claras fracturas de ritmo. Los más pequeños de lo pasarán en grande en este nuevo “Parque Jurásico” gastronómico; pero los adultos seguramente se acaben cansando de tanta trepidación y tanto bicho raro. J. J. M.



ERNEST & CELESTINE (Ernest et Célestine) **** (8)

FICHA TÉCNICA.- Directores: Benjamin Renner, Stéphane Aubier y Vincent Patar. Argumento: Gabrielle Vincent. Guión: Daniel Pennac. Música: Vincent Courtois. Francia-Bélgica-Luxemburgo. 2012. Fantasía. 79 min. Todos.

El francés Didier Brunner se ha ganado un merecido prestigio en el cine de animación como productor del premiado corto “La anciana y las palomas”, de la original trilogía de largometrajes sobre “Kirikú” y de las espléndidas “Bienvenidos a Belleville” y “El secreto del libro de Kells”. Pero la excelencia la alcanzó en 2012 con “Ernest & Celestine”, maravillosa adaptación en 2D de la popular serie de libros infantiles del escritor-ilustrador belga Gabrielle Vincent, convertida en guion por el prestigioso escritor francés de origen marroquí Danniel Pennac, autor de obras de la talla de “Señores niños”, “Como una novela” o “Diario de un cuerpo”. Después de recibir una mención especial en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2012 y ganar el Premio César 2013 a la mejor película de animación, “Ernest & Celestine” obtuvo recientemente el Premio a la mejor película de animación de Los Angeles Film Critics Association, venciendo a Pixar, Disney, DreamWorks y demás gigantes. Ahora, opta nada menos que a once Premios Annie, ya consolidada como una firme candidata al Oscar.

La acción se desarrolla en un imaginario universo sin seres humanos, en el que los osos viven en la superficie y los ratones, en el subsuelo. En el mundo de los osos, está mal visto hacerse amigo de un ratón. Y en el de los ratones, se asusta a los niños con el Gran Oso Feroz. Hasta que un día, la pequeña y huérfana ratita Celestine se rebela contra su destino de dentista —ella quiere ser pintora—, y se escapa al mundo de los osos. Allí es acogida por Ernest, un enorme oso, músico ambulante y un poco cascarrabias, pero de gran corazón. Pese a sus diferencias, entre ellos surge una gran amistad, que desafía el orden establecido en sus respectivos mundos, sobre todo cuando asaltan una pastelería y un comercio de dientes, que regenta un avaricioso matrimonio de osos.

Lo primero que impacta de esta película es su preciosa animación clásica en 2D, de trazos delicados y sugestivos tonos pastel, muy bien dirigida por el francés Benjamin Renner —que debuta en el largometraje— y los belgas Stéphane Aubier y Vincent Patar, responsables de la original Pánico en la granja. Aunque tiene personalidad propia, la película se sitúa estéticamente a medio camino entre las maravillas del maestro japonés Hayao Miyazaki (“Porco Rosso”, “La Princesa Mononoke”, “El viaje de Chihiro”) y el universo literario y fílmico de la saga sobre “Winnie th Pooh”, iniciada en 1926 por el escritor inglés A. A. Milne. Esta calidad formal se refuerza con la deliciosa banda sonora de Vincent Courtois y se pone al servicio de un guion ágil y divertido, que desarrolla una tierna y poética fábula moral contra de los prejuicios, la intolerancia y la hipocresía, y a favor de la integración social y la cultura, especialmente de la pintura y la música. Una joyita, en fin, que corre el riesgo de pasar desapercibida para el gran público. J. J. M.



MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES (Much Ado About Nothing) **** (7,5)

FICHA TÉCNICA.- Director: Joss Whedon. Intérpretes: Amy Acker, Alexis Denisof, Nathan Fillion, Clark Gregg, Reed Diamond, Fran Kranz, Sean Maher. Guion: Joss Whedon, basado en la obra de William Shakespeare. EE.UU. 2012. Comedia romántica. 109 min. Jóvenes.

Después de crear la popular serie televisiva “Buffy, la cazavampiros”, el neoyorquino Joss Whedon se consolidó como guionista en “Alien resurrección” y en superproducciones de animación de la talla de “Toy Story”, “Titan A.E.” o “Atlantis: El imperio perdido”. Esto le permitió dirigir diversos episodios de populares series televisivas—como “Ángel”, “The Office” o “Dollhouse”—, dar el salto al cine en 2005 con “Serenity” y triunfar en todo el mundo siete años después con “Marvel Los vengadores”. Entre el rodaje de esta última película y el inicio de su postproducción, Whedon filmó en poco más de diez días —en su propia casa de Los Ángeles, en riguroso blanco y negro, con actores amigos suyos y coproducida con su esposa Kai Cole— “Mucho ruido y pocas nueces”, fresquísima y anacrónica adaptación de la primera comedia de William Shakespeare.

El Príncipe Don Pedro de Aragón (Reed Diamond) regresa victorioso de una batalla acompañado de su siniestro hermano bastardo Don Juan (Sean Maher), del inteligente Benedicto (Alexis Denisof) y del romántico Claudio (Fran Kranz), un joven florentino que ha sido colmado de honores por el gran valor mostrado en el campo de batalla. Son recibidos con gran regocijo por el caballero Leonato (Clark Gregg), que vive con su bella hija Hero (Jillian Morgese) y su sarcástica sobrina Beatriz (Amy Acker) en una lujosa villa de Mesina (Sicilia). Beatriz y Benedicto dicen no creer en el amor, y se lanzan puyas sin piedad. Por el contrario, Claudio sí cree en Cupido, y desea casarse con Hero, que le corresponde. Entonces, Claudio, Hero, el Rey Don Pedro y las criadas preparan un sofisticado enredo para unir a Beatriz y Benedicto. Pero el envidioso Don Juan se entera del plan, y urde una calumnia infame.

En “Mucho ruido y pocas nueces”, Joss Whedon confirma su talento como guionista, actualizando la obra de Shakespeare casi sin modificar su texto original ni sus certeras reflexiones sobre el amor, la lealtad, la envidia y la mentira. En este sentido, es clave su sensacional dirección de actores —todos están espléndidos—, que logra el milagro de que el espectador asuma como real la irreal situación. Además, se luce en su puesta en escena, siempre al servicio de los actores y con una planificación enormemente imaginativa en el exhaustivo aprovechamiento de su luminosa casa, en sí misma atractiva, pues fue diseñada por su esposa Kai, que es arquitecta. Finalmente, el propio Whedon firma el fluidísimo montaje y hasta la bella banda sonora, que incluye varias canciones románticas preciosas. Sólo cabe reprocharle algún detalle un tanto grosero en las escenas sexuales. J. J. M.



MI TIERRA (Né quelque part) *** (6,5)

FICHA TÉCNICA.- Director: Mohamed Hamidi. Intérpretes: Tewfik Jallab, Jamel Debbouze, Fatsah Bouyahmed, Abdelkader Secteur, Malik Benchemsi, Mourad Zaoui. Guion: Mohamed Hamidi y Alain-Michel Blanc. Argelia-Francia. 2013. Tragicomedia. 87 min. Jóvenes.

Farid (Tewfik Jallab) es un estudiante de Derecho francés, de 26 años, que tiene que ir a Argelia para intentar evitar la expropiación de la casa de su padre (Benhaïssa Ahouari), que está gravemente enfermo. Farid jamás ha estado allí, ni habla árabe, pero va conociendo a unos entrañables personajes, cuya sencillez le cautiva profundamente. Los problemas surgen cuando el aguerrido joven se enfrenta a las autoridades locales y, sobre todo, cuando su primo (Jamel Debbouze), que se llama igual que él, le roba su documentación y huye con ella a Francia.

Apadrinado por el cómico Jamel Debbouze —en varios de cuyos espectáculos ha trabajado como director artístico—, el francés de origen argelino Mohamed Hamidi debuta brillantemente como guionista y director con esta película de claros tintes autobiográficos, que subraya la necesidad de no perder las propias raíces familiares, al tiempo que describe la tragedia de tantos inmigrantes ilegales. El guion es un tanto irregular, y no siempre integra bien la comedia y el drama. Pero está bien rodado e interpretado, mantiene siempre un tono amable y ofrece varias secuencias hilarantes y otras cuantas de gran emotividad. J. J. M.



GENTE EN SITIOS *** (6)

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: Juan Cavestany. Intérpretes: Maribel Verdú, Adriana Ugarte, Alberto San Juan, Antonio de la Torre, Santiago Segura, Coque Malla, Ernesto Alterio, Javier Gutiérrez, Carlos Areces, Irene Escolar, Julián Villagrán, Raúl Arévalo, Roberto Álamo, Eva Llorach, Eduard Fernández, Javier Botet, Tristán Ulloa, Diego Martín. España. 2013. Tragicomedia. 83 min. Jóvenes-adultos.

Es muy difícil comentar con cierta ponderación esta nueva película del inclasificable cineasta español Juan Cavestany (“El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo”, “Gente de mala calidad”, “Dispongo de barcos”). La razón es que se trata de un filme decididamente experimental, rodado muy rápido y sin presupuesto, que propone un abigarrado caleidoscópico de brevísimas y banales anécdotas de todos los géneros, inconexas entre sí, y muchas de ellas absurdas o surrealistas, aunque unidas —según el propio Cavestany— por “un denominador común: la irreductible poesía de la condición humana frente a las embestidas de lo extraño y lo caótico”.

Como es lógico, la película ofrece una factura técnica a veces pobre, y resulta narrativamente muy irregular, con fragmentos impactantes, y otros sin demasiado interés. Eso sí, Cavestany planifica todos ellos con esmero y vigor, intenta sacarles partido dramático, sociológico o ético, y dirige muy bien al amplísimo reparto, en el que están muchos de los mejores intérpretes españoles actuales. De modo que tiene su cierto interés esta especie de fábula moral con formato de colección de cortos, llamada a convertirse en lo que suele llamarse un “película de culto”. J. J. M.



NOS VEREMOS EN EL INFIERNO * (2)

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: Martín Garrido Barón. Intérpretes: Raúl Prieto, Valentín Paredes, Daniela Costa, Beatriz Barón, Esther Collado, Isabel Fortea, Sergio Pozo. España. 2011. Thriller. 104 min. Adultos.

Suau (Raúl Prieto) es un desequilibrado psíquico que ha pasado siete años recluido por asesinato. Para reducir gastos, el hospital en el que está internado le deja en libertad, y él retorna a un pueblo de Mallorca, a casa de su padre (Valentín Paredes), al que encuentra arruinado. Ha vendido muebles y cuadros, y vive de la jubilación de su suegra. Al principio, la relación entre padre e hijo parece estable, pero el ambiente se va enrareciendo hasta que se enfrentan echándose en cara todas las equivocaciones del pasado. Al final, llegarán a un acuerdo macabro con graves consecuencias para los dos.

Tres años ha tardado en estrenarse este tercer largometraje del barcelonés Martín Garrido (“H6 Diario de un asesino”, “Mediterranean Blue”), rodado en 2010 y en el que el actor Juanito Navarro interpreta el primer papel dramático de su carrera, y el último, pues falleció el 10 de enero de 2011. Quizás este sea el único dato recordable de esta película sórdida, hiperviolenta y obscena, que padece un guion discursivo, unas interpretaciones lamentables y una pobre puesta en escena. J. J. M.

PARANORMAL MOVIE (A Haunted House)* (1)

FICHA TÉCNICA.- Director: Mark Tiddes. Intérpretes: Marlon Wayans, Marlene Forte, Essence Atkins, David Koechner, Cedric The Entertainer, Dave Sheridan, Nick Swardson. Guion: Marlon Wayans y Rick Alvarez. EE.UU. 2013. Comedia de terror. 86 min. Adultos.

Kisha (Essence Atkins) comienza a vivir con su novio Malcolm (Marlon Wayans) en casa de éste. Pero enseguida descubren que no están solos: un espíritu demoníaco también reside allí, y transforma en pesadilla su sueño de vida en común. Cuando el fantasma se encarna en el cuerpo de Kisha, Malcolm busca la ayuda de un singular sacerdote (Cedric The Entertainer), de un psíquico y de un equipo de cazafantasmas.

Cuesta encontrar adjetivos que definan con precisión esta parodia del cine de terror fantasmal —sobre todo de las sagas “Paranormal Activity” y “El último exorcismo”—, que sigue la estela de “Scary Movie” y sus numerosas continuaciones e imitaciones. Las interpretaciones resultan insufribles en su creciente histrionismo. La puesta en escena del debutante Mark Tiddes no es digna de ese nombre. Y el guion —por llamarlo de alguna manera— de Marlon Wayans y Rick Alvarez se limita a acumular groseras gracias sin gracia, todas ellas relacionadas con obsesiones sexuales, cutreces escatológicas y/o tópicos racistas. En fin, que “Paranormal Movie” es un subproducto olvidable, no apto para todo aquel que quiera mantener un mínimo de salud mental. J. J. M.



CENTRO HISTÓRICO (Histórias do Cinema) *** (6,5)

FICHA TÉCNICA.- Directores y guionistas: Aki Kaurismäki, Pedro Costa, Víctor Erice y Manoel de Oliveira. Intérpretes: Judite Araujo, Maria Fatima Braga Lima, Marco Carreira, Arlindo Fernandes, Filomena Gigante, Cruz José, Ilkka Koivula, Amandio Martins, Henriqueta Oliveira, Kristine Strautane, Ventura, Ricardo Trêpa, Kristina Zurauskaite. Portugal. 2012. Documental de creación. 80 min. Jóvenes-adultos.

Esta película de episodios surgió en 2012, cuando la ciudad fundadora de Portugal, Guimarães, fue Capital Europea de la Cultura. Y en ella, cuatro destacados realizadores la retratan desde perspectivas muy diversas. En “El tabernero”, el finlandés Aki Kaurismäki (“Nubes pasajeras”, “Un hombre sin pasado”, “El Havre”) —que vive habitualmente en Portugal—, describe el drama de un camarero solitario (Ilkka Koivula) en el centro histórico de Guimarães. Por su parte, el lisboeta Pedro Costa (“Juventude Em Marcha”) ancla su cámara en “Dulce exorcista” frente al anciano Ventura, que se pierde en el bosque mientras los jóvenes capitanes hacen la revolución en las calles. “Vidrios partidos” se titula el fragmento escrito y dirigido por el vizcaíno Víctor Erice (“El espíritu de la colmena”, “El sur”), que rememora la rica historia de la Fábrica de Hilados y Tejidos de Río Vizela, fundada en 1845, cerrada en 2002 y ahora en ruinas. Finalmente, el maestro portugués Manoel de Oliveira (“La carta”, “Palabra y utopía”, “Vuelvo a casa”) —nacido en Oporto hace 105 años— prueba la comedia turística en “El conquistador, conquistado”, en torno a una famosa estatua de bronce de Guimarães.

Aunque todos los fragmentos de esta película están muy bien rodados e interpretados, en realidad sólo tiene entidad propia el de Víctor Erice, que confirma su maestría entrelazando entrevistas e imágenes de un modo muy sugerente con el fin de indagar en la fugacidad del tiempo y en los grandes temas que mueven a los seres humanos, incluida la religión, de la que ofrece una visión positiva. Por lo demás, el mudo episodio de Kaurismäki resulta divertido y entrañable; el de Manoel de Oliveira es demasiado anecdótico; y el de Pedro Costa se pierde en un críptico surrealismo entre poético y discursivo. J. J. M.



BELIEVE (Justin Bieber’s Believe) —

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: Jon M. Chu. Música: Nathan Lanier. EE.UU. 2013. Documental. 103 min.

Su distribuidora no ha mostrado a la prensa española este nuevo documental autobiográfico sobre el artista precoz e ídolo pop juvenil Justin Bieber. La ha dirigido de nuevo el californiano Jon M. Chu (“Street Dance”, “Step Up 3D”, “The LXD: The Secrets of the Ra”, “G.I. Joe: La venganza”), que ya dirigió en 2011 “Justin Bieber: Never Say Never”, la primera entrega de esta especie de memorias fílmicas. Como en ella, aquí Chu muestra al joven cantante canadiense detrás del escenario y sobre él durante la gira de espectáculos que ha ofrecido últimamente por todo el mundo. Además de declaraciones del propio Bieber, sus familiares, amigos y admiradores, el documental muestra imágenes del proceso de grabación y edición de su tercer álbum de estudio, también titulado “Believe”, incluidos el proceso de selección de los bailarines y los posteriores ensayos.

Según su información promocional, “la cinta refleja el crecimiento personal y profesional de Justin Bieber durante los dos últimos años” y, en ella, “además de explicar cuáles han sido sus momentos más difíciles en este tiempo, habla sin tapujos de temas íntimos, como su primer amor o los cambios físicos típicos de la adolescencia”. En fin, que hará las delicias de sus fans, las autodenominadas “Beliebers”. J. J. M.