PERDIDOS EN LA NIEVE (Into the White) *** (7)

FICHA TÉCNICA.- Director: Petter Naess. Intérpretes: Rupert Grint, David Kross, Florian Lukas, Lachlan Nieboer, Stig Henrik Hoff, Kim Haugen, Knut Poner, Morten Faldaas. Guion: Ole Meldgaard, Petter Naess y Dave Mango. Noruega-Suecia. 2012. Drama bélico. 100 min. Jóvenes.

Este filme se inspira en sucesos reales que tuvieron lugar en Noruega durante la Segunda Guerra Mundial. En 1940, tras un combate, un caza británico y un bombardero alemán caen en una aislada región de alta montaña. Por casualidad, ambas tripulaciones acaban refugiándose en la misma cabaña. A pesar de ser enemigos, es difícil mantener el odio cuando las necesidades son acuciantes.

No es nada nuevo en el cine bélico una historia en la que soldados enemigos acaban confraternizando por alguna razón de necesidad. Recordemos “La gran ilusión”, de Jean Renoir; “Feliz Navidad”, de Christian Carion, o “En tierra de nadie”, de Danis Tanovic. Sin embargo, si se atina con la perspectiva dramática y no se cae en la seducción del sentimentalismo, la historia puede ser sumamente interesante. Es precisamente lo que ocurre con esta cinta noruega de Petter Naess, famoso por su película “Elling”.

La acción casi se desarrolla en un solo espacio, una cabaña de alta montaña, y todo gravita en la dirección de actores y la escritura del guion. Ambas cosas están resueltas muy bien, y a pesar de su lenta cadencia, los maravillosos paisajes ayudan al espectador a entrar en la vivencia de los personajes. Sorprende ver a Rupert Grint en su brillante retorno tras la saga “Harry Potter”. El resto del reparto hace un excelente trabajo: el alemán Florian Lukas y el británico Lachlan Nieboer encarnan a la perfección los ideales del oficial nazi y el caballero inglés.

Aunque todos los críticos coinciden en tildar la película de pacifista, lo cierto es que se centra más en los procesos psicológicos y morales de los personajes, que poco a poco van descubriendo que mirarse a los ojos y tratarse como caballeros es más humano que limitarse a ver la etiqueta “alemán” y “británico”. No descubre el Mediterráneo, pero la película es tan correcta como interesante. J. O.



EL HIPNOTISTA (Hypnotisören) ** (5,5)

FICHA TÉCNICA.- Director: Lasse Hallström. Intérpretes: Mikael Persbrandt, Tobias Zilliacus, Lena Olin, Helena af Sandeberg, Oscar Pettersson, Anna Azcarate, Jonatan Bökman. Guion: Paolo Vacirca, basado en la novela de Lars Kepler. Suecia. 2012. Thriller. 120 min. Adultos.

Tras el éxito internacional de las novelas de los suecos Henning Mankell y Stieg Larsson, y de sus respectivas versiones televisivas y cinematográficas, el thriller nórdico se ha convertido en un subgénero de lo más inquietante. Del prolífico y ya sexagenario director sueco Lasse Hallström (“Mi vida como un perro”, “¿A quién ama Gilbert Grape?”, “Las normas de la casa de la sidra”, “Chocolat”, “Siempre a tu lado, Hachiko”, “Querido John”, “La pesca de salmón en Yemen”) llega ahora la adaptación de “El hipnotista”, la discutida novela del matrimonio formado por Alexander Ahndoril y Alexandra Coelho Ahndoril, que firman con el pseudónimo Lars Kepler.

El salvaje asesinato de una familia en Estocolmo — el padre, en el instituto donde entrenaba a baloncesto; la madre y una niña, en su casa— pone en marcha una investigación policial. La falta de pistas hace que el comisario Joona (Tobias Zilliacus) solicite la ayuda de Erik Maria Bark (Mikael Persbrandt), un famoso y heterodoxo hipnotizador, que padece en ese momento una grave crisis con su esposa Simone (Lena Olin). La idea es que Erik interrogue al único superviviente de la familia atacada: Josef (Jonatan Bökman), un adolescente de quince años, que se encuentra en profundo estado de shock como consecuencia de las lesiones sufridas. La investigación toma un cariz inesperado cuando el hijo de Erik es secuestrado.

Lo que podría ser un thriller convencional adquiere unos tintes morbosos y truculentos, que subrayan los aspectos más oscuros del ser humano. Se le quiere dar un tinte existencial que resulta artificioso, subrayado por un guion de despacho. Ciertamente, unos actores brillantes mantienen en pie la película, y la puesta en escena es vigorosa; pero constituye un envoltorio inadecuado para una historia que no hay por dónde cogerla. J. O.

THE EAST *** (6)

FICHA TÉCNICA.- Director: Zal Batmanglij. Intérpretes: Brit Marling, Alexander Skarsgård, Ellen Page, Toby Kebbell, Shiloh Fernandez, Julia Ormond, Patricia Clarkson. Guion: Zal Batmanglij y Brit Marling. EE.UU. 2012. Thriller. 116 min. Jóvenes-adultos.

Nacido en Francia de padres iraníes, el joven director estadounidense Zal Batmanglij y su amiga la actriz y guionista Brit Marling ya colaboraron hace un par de años en la película “Sound of My Voice”, sobre un periodista y su novia, que investigan una secta cuyo líder dice venir del futuro. Ahora vuelven a coescribir el guion y a ponerse detrás y delante de la cámara en “The East”, un original thriller en torno al denominado “ecoterrorismo”, que les ha producido Ridley Scott. Según ellos, la película se inspira en sus propias experiencias dentro del movimiento freegano —que agrupa a gente que vive en común y de forma muy sencilla— y surgió de su “frustración personal con el consumismo rampante y con todas las contradicciones que genera el modo de vida de la sociedad contemporánea”.

La ex agente del FBI Sarah Moss (Brit Marling) inicia una nueva andadura profesional en Hiller Brood, una elitista e implacable agencia de investigación privada, que salvaguarda los intereses de importantes empresas. Sarah debe adoptar una falsa identidad para infiltrarse en The East, una clandestina y radical organización ecológico-anarquista, que pretende vengarse de diversas grandes corporaciones, a las que responsabiliza de graves atentados contra el medio ambiente y la salud pública. Muy pronto, Sarah se gana la confianza del grupo, y comienza a informar a sus jefes. Pero, a la vez, se encariña con los idealistas y comprometidos miembros de The East, sobre todo con su carismático líder Benji (Alexander Skarsgård).

Aunque resulta entretenida e interesante, “The East” da constantemente una de cal y otra de arena tanto en su resolución formal como en su tratamiento de fondo. Por un lado, la realización de Batmanglij es ágil y clara, pero carece de personalidad y depara pocas sorpresas. Por su parte, todas las interpretaciones son buenas —sobre todo, las de Brit Marling y Ellen Page—, pero no logran liberar del todo a los personajes del rígido carácter arquetípico que les otorga el guion. Y, en cuanto al fondo, se agradece que el guion critique tanto las prácticas fraudulentas y delictivas de ciertas empresas y políticos, como el recurso a la violencia de ciertos grupos antisistema. De hecho, esta ponderada perspectiva moral enriquece al personaje de la protagonista, cuyo constante dilema parece alentado por sus convicciones cristianas, mostradas de un modo sutil, pero nítido, tanto al principio como al final de la película. Sin embargo, este esfuerzo de profundidad ética se ve debilitado por la complaciente mirada del filme a la vida ácrata y libertina de los miembros de The East, incluida una artificiosa concesión a la ideología de género, seguramente introducida por Zal Batmanglij, que se declara gay. J. J. M.



THE PURGE: LA NOCHE DE LAS BESTIAS (The Purge) ** (5,5)

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: James DeMonaco. Intérpretes: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Edwin Hodge, Rhys Wakefield. EE.UU. 2013. Thriller de terror. 85 min. Adultos.

En 2022, las cosas han cambiado en Estados Unidos. Para acabar con la delincuencia, los Refundadores de la Patria, han declarado legal que una noche al año se puedan cometer cualquier tipo de crímenes. Es el día de La Purga, que sirve para canalizar el odio y la violencia contenidos durante todo un año. Compuesta por James (Ethan Hawke) y Mary (Lena Headey), y sus hijos, la adolescente Zoey (Adelaide Kane) y el preadolescente Charlie (Max Burkholder), la familia Sandin no siente la necesidad de matar a nadie, y esa noche se protegen en su casa fuertemente blindada. Todo parece ir sobre ruedas hasta que un indigente (Edwin Hodge) pide protección a las puertas de su casa.

Claramente inspirada en cintas ya clásicas como “La naranja mecánica” o “Fanny Games”, esta violentísima película del neoyorquino James DeMonaco (“Staten Island”) quiere plantear la irreductibilidad de la conciencia moral frente a una concepción instintiva del ser humano. El bien es el bien y el mal es el mal, diga lo que diga el Estado. Sin embargo, da la sensación de que la reflexión ética y antropológica es una excusa para construir una película de género desmedidamente gore, que busca precisamente la connivencia instintiva con el aterrado espectador. Esta sensación de trampa atraviesa toda la película, descarada en sus referentes, tópica en sus desarrollos y muy poco verosímil en el planteamiento de muchas de sus escenas. Este artificio obliga a sus excelentes intérpretes a forzar su trabajo, tratando de extremar el contenido emocional de la cinta, sin conseguirlo.

A pesar de todo, se agradece la claridad de la exposición ética, aunque desgraciadamente epidérmica, y se echa de menos una fundamentación de las convicciones de Mary, que encarna la integridad. En cualquier caso, la opción por la explicitud de la violencia hace que la película la puedan digerir muy pocos estómagos. J. O.



SOLA CONTIGO ** (5,5)

FICHA TÉCNICA.- Director: Alberto Lecchi. Intérpretes: Ariadna Gil, Leonardo Sbaraglia, Sabrina Garciarena, Gonzalo Valenzuela, Antonio Birabent. Guion: Leandro Siciliano, Alberto Lecchi y Leita González. España-Argentina. 2013. Thriller. 97 min. Adultos.

María Teresa (Ariadna Gil) es una española de 45 años, afincada en Buenos Aires, donde ha triunfado profesionalmente, pero a costa de destruir su matrimonio. Ella ansía ver a sus dos hijas, pero lo tiene judicialmente prohibido por un trágico suceso del pasado, que todavía la atormenta. Sola y angustiada, su camino hacia la autodestrucción se acelera cuando alguien le asegura por teléfono que la va a matar dentro de cinco días, pero que antes deberá pedir perdón a todos aquellos a los que hizo daño. Intentará ayudarla el duro comisario Esteban Fuster (Leonardo Sbaraglia), del Departamento Central de Policía.

El irregular cineasta bonaerense Alberto Lecchi (“Perdido por perdido”, “Nueces para el amor”, “El frasco”) no acaba de controlar esta dramática intriga, de inquietante planteamiento y con sugerentes elementos de cine negro. Según él, su película habla de cómo “la necesidad de un aparente triunfo profesional y económico puede hacer perder el rumbo y provocar que un ser humano se denigre hasta límites inimaginables”. Ciertamente, critica en ella el triunfo a cualquier precio, afronta la tragedia de la maternidad herida y subraya certeramente el peso de la culpa y el ansia de redención, incluso con algún apunte religioso interesante. Pero todo eso no lo ancla en un retrato profundo de los personajes —sabemos muy poco de ellos—, ni en una nítida perspectiva moral. Más bien elige el camino fácil de la intriga dilatada y cada vez más sórdida, con sus efectismos violentos y sexuales —algunos, muy artificiosos—, hasta un desenlace sorprendente pero decepcionante. Eso sí, su puesta en escena tiene vigor visual, y su dirección de actores es solvente, aunque brilla poco por la citada superficialidad de los personajes. J. J. M.


CARNE DE PERRO ** (4,5)

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: Fernando Guzzoni. Intérpretes: Alejandro Goic, Amparo Noguera, María Gracia Omegna, Alfredo Castro, Sergio Hernández, Daniel Alcaíno, Roberto Farías, Cristián Carvajal. Chile-Francia-Alemania. 2012. Drama. 81 min. Adultos.

Solitario, desequilibrado, obsesivo e impredecible, Alejandro (Alejandro Goic) es un taxista chileno de 55 años, que malvive atormentado por su oscuro pasado. Hasta el punto de que parece un demente. Seguramente, le pesa la separación de su esposa y su hija, y el suicidio de un colega de trabajo. Pero el caso es que no encuentra consuelo en una iglesia católica a la que acude, se irrita porque tardan en arreglar su coche en el taller, se pelea con su jefe sindical, piensa que todos van contra él… Y, sobre todo, siente extrañas fijaciones y ansiedades, que le llevan a distorsionar totalmente su percepción de la realidad. Hasta que su camino se cruza con el de un perro…

En esta morosa y repetitiva película —injusto Premio Nuevos Directores en el Festival de San Sebastián 2012—, el chileno Fernando Guzzoni (“La Colorina”) retrata con desolador detallismo la desintegración moral de un torturador de la dictadura de Pinochet que intenta sin éxito encontrar un nuevo sentido a su penosa existencia. Su contundente hiperrealismo saca ciertos brillos trágicos a la lacónica interpretación de Alejandro Goic, casi siempre mostrado en enfáticos primeros planos. Pero la evolución de su patético personaje se ve artificiosamente determinada por un pesimismo radical, en el que el arrepentimiento, la reconciliación, el perdón, la redención no tienen cabida, o sólo la tienen por la estrecha rendija del irónico y ambiguo desenlace. Es como si el Chile actual fuera incapaz de cerrar las cicatrices causadas por el antiguo Chile. Parece una conclusión excesiva. J. J. M.




NIÑOS GRANDES 2 (Grown Ups 2) * (2)

FICHA TÉCNICA.- Director: Dennis Dugan. Intérpretes: Adam Sandler, Chris Rock, Kevin James, David Spade, Salma Hayek, Maya Rudolph, Maria Bello, Steve Buscemi, Taylor Lautner. Guion: Fred Wolf, Adam Sandler y Tim Herlihy. EE.UU. 2013. Comedia. 101 min. Jóvenes.

En los últimos dos años, el popular cómico neoyorquino Adam Sandler ha sufrido dos batacazos importantes de crítica y público con sus comedias “Jack y su gemela” y “Desmadre de padre”. Así que ahora ha decidido producir, escribir y protagonizar “Niños grandes 2”, cuya antecesora recaudó en 2010 más de 270 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convierte en el mayor éxito comercial de la carrera del actor.

Esta vez, cuatro de los cinco amigotes de la primera entrega —Lenny (Adam Sandler), Kurt (Chris Rock), Eric (Kevin James) y Marcus (David Spade)— vuelven a reunirse en el pueblecito de Nueva Inglaterra donde se criaron, con el fin de dar una lección de vida a sus hijos durante su último día de escuela. Pero, como temen las sufridas mujeres de los tres primeros —Roxanne (Salma Hayek), Deanne (Maya Rudolph) y Sally (Maria Bello), respectivamente—, estos niños grandes, que se niegan a madurar, montarán un follón de padre y muy señor mío (nunca mejor dicho), La culpa la tendrán los malotes de antaño y los actuales, un conductor de autobús esquizofrénico, una pareja de polis borrachos y 400 fiesteros disfrazados al estilo de los años 80.

Una vez más, el director estadounidense Dennis Dugan (“Os declaro marido y marido”, “Zohan: Licencia para peinar”) se pone al servicio de Adam Sandler y los demás cómicos, procurando hilvanar los golpes de humor del guion sin perder el cierto tono familiar que pretende tener esta especie de fábula moral. Dugan no lo logra casi nunca, pues el guion recurre de principio a fin a zafias bromas escatológicas y sexuales, casi todas ellas patéticas y sin gracia. Además, Salma Hayek sigue sin resultar creíble como esposa de Sandler, y el resto de los actores se dejan llevar por un histrionismo agotador, sobre todo Steve Buscemi y el jugador de baloncesto Shaquille O’Neal. Sólo cabe elogiar una generosa selección de buenas canciones ochenteras, que completan la convencional partitura de Rupert Gregson-Williams. J. J. M.

LA CÁMARA LÚCIDA * (3)

FICHA TÉCNICA.- Director, guionista y música: Carlos Cañeque. Intervenciones: Carlos Cañeque, Andrés Bujardón, Xavier Rubert de Ventós, Javier Tomeo, Nuria Amat, Didac García Ridao, Fernando Savater, Manuel Román, Philippe Garnier, Santiago Carrillo, Elena Ochoa, Román Gubern, Carlos Moya, Rocío Martínez, Marta Binetti, Giosafat Barbaccia, Antonio Soler. España. 2013. Ficcio-documental. 97 min. Adultos.

“Un individuo que vive con una muñeca hinchable y dos chihuahuas ha comenzado a dirigir su primera película, un documental sobre la vida y la muerte. Su vecino es un catedrático de historia del arte que le molesta todo el día tocando el piano y gritando sus telefónicas conspiraciones académicas. El documental avanza con apariciones, entre otros, de Santiago Carrillo, Elena Ochoa, Fernando Savater y Román Gubern, al tiempo que aparecen personajes de ficción interpretados por el propio director, como el aficionado al fútbol que habla de teología, el profesor de literatura que está convencido de que el personaje del Quijote está basado en Jesús de Nazaret, el Dios de Santo Tomás de Aquino que se siente solo o el corresponsal de televisión en Cannes que deja por los suelos “La cámara lúcida”. Desconcertado por la confluencia entre realidad y ficción, el director pide consejo al mismísimo Berlanga”.

Ésta es la sinopsis oficial de este segundo largometraje del escritor barcelonés Carlos Cañeque, Profesor Titular de Teoría Política en la Universidad Autónoma de Barcelona, ganador del Premio Nadal 1997 con su novela “Quién”, autor de otras novelas (“Muertos de amor”, “Conductas desviadas”) y varios ensayos (“Dios en América”, “Conversaciones sobre Borges”), y que debutó tras la cámara en 2011 con “Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor)”, insufrible documental en el que diez famosos filosofaban sobre eso: el placer y el dolor. En “La cámara lúcida” —cuyo título toma Cañeque de un ensayo sobre la fotografía del filósofo y semiólogo francés Roland Barthes—, casi todos los entrevistados en su primera película siguen filosofando sobre esos y otros temas, pero junto a varios personajes de ficción imaginados e interpretados por el propio Cañeque.

Uno de los participantes, el prestigioso crítico e historiador del cine Román Gubern, ha definido “La cámara lúcida” como “una película metaficcionada sobre el proceso creativo y el narcisismo extremo y delirante”. Seguramente es eso, y también un pedante desparrame, plagado de obscenidades sin gracia y ofensivas irreverencias —a menudo, blasfemas para un católico—, en el que la mayoría de los participantes muestran su ignorancia sobre el cristianismo y, en general, sobre la naturaleza humana, al tiempo que despliegan una frívola visión del sexo, las drogas, el alcohol, el suicidio…, según los parámetros de un radical subjetivismo moral y de una acrítica aceptación de la ideología de género, defendida con entusiasmo en la película por un transexual. Eso sí, el conjunto tiene una cierta personalidad visual y musical, dentro siempre de una efectista estética videoclipera, en la que incluso se recurre al cine porno. Ahora, Cañeque amenaza con completar su trilogía sobre el placer y el dolor, la religión y la muerte con una película enteramente de ficción que se titulará “El cura loco y el seductor absoluto”. Qué cansino… J. J. M.


POLIGAMY —

FICHA TÉCNICA.- Director y guionista: Dénes Orosz: Intérpretes: Sándor Csányi, Kátya Tompos, Béla Mészáros, Kata Bartsch, Eszter Bánfalvy, Miklós Banyai, Sándor Csikós, Tamás Dunai, Annamária Fodor, Gábor Fábián, Juli Fábián. Hungría. 2009. Comedia. 110 min. Adultos.

András (Sándor Csányi), escritor de guiones para series de televisión, y Lilla (Kátya Tompos), profesora universitaria, llevan saliendo cinco años y, finalmente, deciden vivir juntos en Budapest. Todo va bien entre ellos hasta que Lilla manifiesta su firme deseo de casarse y tener un hijo, lo que a András no le hace mucha gracia. Cuando un día Lilla anuncia que está embarazada, András no tiene muy claros sus sentimientos. Y, a la mañana siguiente, se despierta al lado de una hermosa mujer, completamente desconocida, pero que asegura ser Lilla. Como aseguran serlo diversas mujeres que van apareciendo por arte de magia en la vida de András.

Este es el singular argumento del primer largometraje del cortometrajista húngaro Dénes Orosz, cuya distribuidora no ha mostrado a la prensa. Por el tráiler, se trata de una supuesta comedia a lo Woody Allen, aunque de tono muy ligero, sin una clara perspectiva moral y con abundante contenido sexual explícito. No parece gran cosa. J. J. M.